GUÍA TALLER PINTURA (PINTURA MODERNA Y FOTOGRAFIA) GRADO UNDECIMO

INSTITUCIÓN EDUCATIVA CHAMPAGNAT

SIBUNDOY

GUÍA TALLER–GRADO UNDECIMO

ÁREA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA
PINTURA

Año lectivo: 2017

         PINTURA (PINTURA MODERNA Y FOTOGRAFÍA)

DESEMPEÑOS GRADO ONCE – SEGUNDO PERIODO

Grupo	Grado	Periodos	Ejes Curriculares – grado 11.
			Apreciación Estética	Técnica Artística	Comunicación	Estética y Sensibilidad
V	11º	2	A. Conoce y manipula materiales de trabajo para elaborar variados ejercicios de pintura relacionados con el avance de técnica pinturas modernas y fotografía.	B. Aplica  los diferentes conceptos de pintura con diferentes técnicas en la elaboración de obras de arte.	C. Expresa mediante volúmenes los espacios bidimensionales, en la figura humana logrando composiciones y manejo estético, y aplica la técnica de la pintura con  vinilos.	D. Valora la importancia social del arte y como contribuye a la riqueza cultural del patrimonio regional,  nacional y universal.

SEGUNDO PERIODO

INSTITUCION EDUCATIVA CHAMPAGNAT

PLANES DE APRENDIZAJE DEL AREA DE EDUCACION ARTISTICA

AÑO LECTIVO 2017

GRADO – DECIMO

PLAN DE APRENDIZAJE
Profesor: JAIME EVER MURIEL DESCANCE			Periodo:  2	Grado: 11
Competencia:
Programa	Desempeño	Aprendizajes			Recursos
Semana No. 1	A. Conoce y manipula materiales de trabajo para elaborar variados ejercicios de pintura relacionados con el avance de técnica pinturas modernas y fotografía.	A. A través de un video  identificación de la técnica de la pintura, concepto de pintura, tipologías,  los estudiantes deben responder ciertas preguntas del docente, haciendo alusión a los conceptos de pintura y características de la pintura moderna y fotografía. Anexo guía taller (Inducción a la pintura). (BÁSICO)			Video beam. -Cuaderno. -Fotocopias. -Lapiceros.
Semana No. 2	A. Conoce y manipula materiales de trabajo para elaborar variados ejercicios de pintura relacionados con el avance de técnica pinturas modernas y fotografía.	A. Identificar por medio de descripción de imágenes de obras de arte, analizar  la composición, armonía, ritmo, bidimencionalidad y tridimensionalidad,  en las pinturas modernas y  fotografía.  Anexo guía taller(BASICO)			Video beam. -Cuaderno. -Fotocopias. -Lapiceros.
Semana No. 3	A. Conoce y manipula materiales de trabajo para elaborar variados ejercicios de pintura relacionados con el avance de técnica pinturas modernas y fotografía.	A. Identifica las características de la pintura  moderna y la fotografía, en una lectura comprensiva con preguntas de falso y verdadero. Anexo guía taller(BASICO)			Video beam. -Cuaderno. -Fotocopias. -Lapiceros.
Semana No. 4	B. Aplica  los diferentes conceptos de pintura con diferentes técnicas en la elaboración de obras de arte.	B. Aplica la técnica de la pintura, con vinilos, en esquemas de simplificación de las formas, la composición, armonía, ritmo, bidimencionalidad y tridimensionalidad en las pinturas modernas y la fotografía. Anexo guía taller (ALTO)			Video beam. -Cuaderno. -Fotocopias. -Lapiceros.
Semana No. 5	B. Aplica  los diferentes conceptos de pintura con diferentes técnicas en la elaboración de obras de arte.	B. Aplica  en un  taller creativo, utilizando imágenes o gráficos de apoyo acerca, en esquemas donde se mira la composición,  armonía y el ritmo, bidimencionalidad y tridimensionalidad, en base a la técnica de la pintura con vinilos, en las pinturas modernas y fotografía. Anexo guía taller  (ALTO)			-Video beam. -Cuaderno. -Fotocopias. -Vinilos. -Cartón paja. -Pinceles.
Semana No. 6	B. Aplica  los diferentes conceptos de pintura con diferentes técnicas en la elaboración de obras de arte.	B. Ilustra diferentes  expresiones en esquemas de simplificación de la forma, apoyándose en imágenes de la pintura moderna y fotografía, en la figura humana, con la técnica de pintura con vinilos. Anexo guía taller  (ALTO)			-Video beam. -Cuaderno. -Fotocopias. -Vinilos. -Cartón paja. -Pinceles.
Semana No. 7	C. Expresa mediante volúmenes los espacios bidimensionales, en la figura humana logrando composiciones y manejo estético, y aplica la técnica de la pintura con  vinilos.	C. Construye composiciones artísticas apoyándose en imágenes del arte de la pintura moderna y la fotografia, en la figura humana, con la técnica de pintura con vinilos, con el arte de la pintura moderna y fotografía. Anexo guía taller  (SUPERIOR)			-Video beam. -Cuaderno. -Fotocopias. -Vinilos. -Cartón paja. -Pinceles.
Semana No. 8	C. Expresa mediante volúmenes los espacios bidimensionales, en la figura humana logrando composiciones y manejo estético, y aplica la técnica de la pintura con  vinilos.	C. Descubre efectos visuales  de proporciones, en esquemas de simplificación de la forma, composición,  armonía, ritmo, bidimencionaliad y tridimensionalidad, con la técnica del arte de la pintura y fotografía. moderna.(SUPERIOR)			-Video beam. -Cuaderno. -Fotocopias. -Vinilos. -Cartón paja. -Pinceles.
Semana No. 9	D. Valora la importancia social del arte y como contribuye a la riqueza cultural del patrimonio regional,  nacional y universal.	D. Crea ensayos de arte donde reflexiona sobre la experiencia perceptiva de las formas, la composición, armonía y el ritmo, bidimencionalidad y tridimensionalidad, en  la técnica de pintura con vinilos, en las pinturas modernas y fotografía. (SUPERIOR)			-Cuaderno. -Fotocopias. -Lapiceros.
Semana No. 10	D. Valora la importancia social del arte y como contribuye a la riqueza cultural del patrimonio regional,  nacional y universal.	D. Crea mapas conceptuales con el concepto de pintura y sus tipologías de la pintura moderna y fotografía. (SUPERIOR			-Cuaderno. -Fotocopias. -Lapiceros.

SABERES:

1. SABER SER:

PROPOSITO: Que coloquemos nuestro interés en el proceso de interpretación de imágenes:

ACTIVIDAD DE MOTIVACIÓN 1. 

VIDEO DE OBRAS DE PINTURAS MODERNAS:

OBSERVACION DE VIDEOS.

Aprenda a pintar un cuadro abstracto con acrílico - Anthylis por John Beckley

Curso en vídeo de pintura abstracta - Carbon por John Beckley

ANALISIS DEL VIDEO. (Preguntas):
¿De qué trata esta los videos? ¿A qué se refiere?

¿Qué expectativas despierta los videos?

 ACTIVIDAD DE MOTIVACIÓN 2.

Mira las siguientes imágenes:

ANÁLISIS DE IMÁGENES PREGUNTAS:

¿Qué estado de ánimo te produce cada una de las obras de arte?

¿Toda persona que pinta es artista?

¿Todos pueden realizar obras de arte? ¿Por qué?

¿Una copia es una obra de arte?

¿El arte se debe de entender?

¿El arte es universal?

¿Todo el mundo puede distinguir una obra de arte? ¿Por qué?

¿Qué es más relevante la forma o el contenido de una obra de arte?

¿El espectador debe de entender lo que el artista quiso decir en su obra? ¿Por qué?

¿Cuál es mejor, el arte antiguo o el moderno?

¿El arte debe de ser agradable a la vista? ¿Por qué?

¿Qué es más importante en una obra artística, la técnica o el contenido?

¿Existe arte bueno y arte malo?

¿Qué tan importante es la técnica en una obra de arte?

¿Qué tan importante es la técnica en una obra de arte?

¿Para qué sirve el arte?

2. EL SABER:

PROPOSITO:

 Que Identifiquemos y reconozcamos los elementos básicos de la pintura.

 Que tengamos claridad cognitiva sobre cada una de las habilidades y eje temático.

CLARIDAD COGNITIVA: 

DEFINICION DE PINTURA:

La pintura es una palabra que abarca un extenso campo. Es una técnica artística que consiste comúnmente en plasmar con un líquido viscoso en un lienzo, líneas y manchas formando figuras, texturas y formas que darán paso a una obra de arte de acuerdo a la visión y objetividad del observador. Si bien es cierto, que la pintura al óleo (aceite) Es considerada uno de los métodos más populares que ha existido, la pintura ha evolucionado al punto de convertir tecnología en expresión artística, hoy en día, podemos encontrar infinitas formas de crear una pintura, como parches en polvo que se unen para dar forma a un conjunto de matices, o la bien conocida acuarela, la cual consiste en difuminar un pequeño trozo de algún material colorido con agua sobre una hoja de papel.

La pintura no solo es arte, también es un término al que se recurre para llamar a un óleo que recubrirá un área determinada, por ejemplo, una casa, una carro, una pieza, un bizcocho, con el fin de darle un toque personalizado y “artístico“, también con el fin de darle protección, ya que estas pinturas, según sea el caso, están diseñadas para cubrir y proteger de cambios climáticos y agentes externos que puedan perjudicar la base sobre la que se vierte y distribuye dicha pintura. Como decíamos al principio, la pintura abarca un extenso campo, por lo que su historia se remonta a las épocas del origen de la humanidad. El hombre siempre ha tenido el deseo de dejar su huella en el camino, es por eso que entre los primeros indicios de la vida en esos pre-históricos tiempos encontramos jeroglifos y dibujos con los que el hombre pre – histórico marcaba las primeras pautas para reconocer nuestro origen y darle paso a la pintura, no solo como arte, sino como método de reconocimiento entre nosotros, de allí, remonta su importancia y su historia.

TIPOLOGIA DE LA PINTURA:

Pintura histórica

La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en sus Discursos sobre arte expuestos en la Royal Academy of Arts entre 1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es despertar la imaginación ... De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su obra ». Aunque Nicolás Poussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra Guernica de 1937, también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica.

Retrato

Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró en este sentido con sus más de sesenta autorretratos. El artista en general intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones: «La única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la calidad moral, nada temporal, efímero o accidental.»10 En la técnica del óleo fue Jan van Eyck uno de los primeros que lo impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo de retrato de pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus y éxito personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero.11 En España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los impresionistas franceses también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc. En el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.

Pintura de género

La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel el Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que, en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la intención satírica o moralizante en obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco de Goya reflejó, en varias obras de cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.

Paisaje

En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una manera específica se impuso el tema del «paisaje holandés», que se caracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con motivos típicos holandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y sus discípulos son con una apariencia lírica y un bello tratamiento cromático, este tipo de pintura se desarrolló sobre todo a lo largo de todo el siglo XVIII, en un estilo llamado vedutismo, que son vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana, generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores exponentes fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi. En la escuela de Barbizon fueron los primeros en pintar al aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base de la luz y sus variantes que influyeron especialmente en la pintura impresionista.

Naturaleza muerta

Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en el arte occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron magníficas naturalezas muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica. Con la llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard y Juan Gris.

Desnudo

El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia. El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en toda la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial.

3. EL SABER HACER:

PROPÓSITO:

 Que apliquemos creativamente los elementos de la pintura.

 Que demostremos avances en el desarrollo de sus compasiones artísticas expresando su mundo.

ACTIVIDAD 1:

1.     Presentaremos a los estudiantes una obra de arte sobre el arte moderno y fotografía, es un cuadro abstracto compuesto con figuras geométricas, que todas ellas en conjunto crean una imagen figurativa para nosotras como por ejemplo la siguiente imagen:

 Cada estudiante tendrá que componer su propia obra de arte tomando como modelo de la anterior imagen y sus figuras correspondientes. Con la técnica de la pintura de la pintura moderna y fotografía. Cuando todos tengan su obra, se realizara una exposición  para que todos puedan observarla y comentar sobre cada una de ellas lo que ven.

ACTIVIDAD 2:

1.    Los estudiantes realizaran un ENSAYO  sobre la parte cognitiva, sobre la pintura y sus tipologías.

PREGUNTAS:

¿Cómo?

¿Por qué?

¿Para qué?

Ideas principales.

Conclusiones.

ACTIVIDAD 3:

1.    Los estudiantes realizaran un mapa conceptual sobre la historia de la pintura.

CIERRE DE LA CLASE

-          Aclaración de dudas

-          Evaluación: Se propone una evaluación en pedagogía constructivista que atienda los siguientes criterios: De los saberes: ser, hacer y saber hacer.

ACCIONES DE MEJORAMIENTO

Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística

-       Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.

-       Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.

-       Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en  los estudiantes con desempeño bajo.

-       Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias, emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los demás.

BIBLIOGRAFIA:

www.pinturayartistas.com/tecnicas-pintura/

www.profesorenlinea.cl/artes/pinturadefinicion.htm