INSTITUCIÓN EDUCATIVA CHAMPAGNAT
SIBUNDOY
GUÍA TALLER–GRADO NOVENO
ÁREA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA
PINTURA
PINTURA
Año lectivo: 2017
PINTURA (PINTURA ABSTRACTA)
ANÁLISIS DE IMÁGENES PREGUNTAS:
¿Qué estado de ánimo te produce cada una de las obras de arte?
¿Toda persona que pinta es artista?
¿Todos pueden realizar obras de arte? ¿Por qué?
¿Una copia es una obra de arte?
¿El arte se debe de entender?
¿El arte es universal?
¿Todo el mundo puede distinguir una obra de arte? ¿Por qué?
¿Qué es más relevante la forma o el contenido de una obra de arte?
¿El espectador debe de entender lo que el artista quiso decir en su obra? ¿Por qué?
¿Cuál es mejor, el arte antiguo o el moderno?
¿El arte debe de ser agradable a la vista? ¿Por qué?
¿Qué es más importante en una obra artística, la técnica o el contenido?
¿Existe arte bueno y arte malo?
¿Qué tan importante es la técnica en una obra de arte?
¿Qué tan importante es la técnica en una obra de arte?
¿Para qué sirve el arte?
2. EL SABER:
PROPOSITO:
Que Identifiquemos y reconozcamos los elementos básicos de la pintura.
Que tengamos claridad cognitiva sobre cada una de las habilidades y eje temático.
CLARIDAD COGNITIVA:
DEFINICION DE PINTURA:
La pintura es una manifestación artística de carácter visual que se sirve de un conjunto de técnicas y materiales para plasmar, sobre una superficie determinada, una composición gráfica según ciertos principios estéticos
La pintura conjuga elementos de la representación plástica como las formas, los colores, las texturas, la armonía, el equilibrio, la perspectiva, la luz, el movimiento, etc., para trasmitir al espectador una experiencia estética que evoque emociones, conceptos, ideas, e innumerables interpretaciones en un sentido social, psicológico, cultural, político, religioso, etc.
Como tal, es una disciplina que consiste en aplicar sobre una superficie determinada (una tela, una hoja de papel, una lámina de madera, un muro) una serie de pigmentos o sustancias orgánicas, para crear una composición de formas, colores y texturas que dan lugar a una obra de arte.
La pintura es una de las expresiones más antiguas de las bellas artes. Su origen se rastrea en las pinturas rupestres del hombre prehistórico diseminadas por todo el planeta, y mantiene absoluta vigencia en el mundo contemporáneo, donde además de los soportes y las técnicas tradicionales, se vienen a sumar las técnicas digitales que las nuevas tecnologías proporcionan.
La pintura puede clasificarse de diferentes formas:
· Según los temas que represente: histórica, de género, paisaje, naturaleza muerta, desnudo, etc.
· Según criterios históricos: prehistórica, grecorromana, gótica, renacentista, barroca, moderna, etc.
· Según las tendencias o movimientos en que se sitúe: realismo, impresionismo, simbolismo, vanguardismo, hiperrealismo, etc.
· Según las técnicas empleadas: óleo, cera, acuarela, puntillismo, témpera, acrílico, pastel, temple, tinta, fresco, etc.
TIPOLOGIA DE LA PINTURA:
Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es siempre una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su buena representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real. Vitruvio en la segunda parte del siglo I, describió la decoración de comedores donde se veían imágenes con comida y de otras salas con paisajes o escenas mitológicas.6
En el renacimiento, Leon Battista Alberti quiso elevar el grado de «artesano de la pintura» al de «artista liberal» afirmando: «El trabajo más importante del pintor es la historia», con la palabra historia se refería a la pintura narrativa, con escenas religiosas o épicas « ... la que retrata los grandes hechos de los grandes hombres dignos de recordarse difiere de la que describe las costumbres de los ciudadanos particulares, de la que pinta la vida de los campesinos. La primera tiene carácter majestuoso, debe reservarse para edificios públicos y residencias de los grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines »
La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que, aunque no se perdiera la monumentalidad para murales narrativos, surgieran las pinturas más comerciales y en otros formatos más manejables, así comenzaron a clasificarse los géneros pictóricos y su especialización por parte de los artistas. En la Italia central se continuó haciendo pintura histórica, los pintores de la parte norte de la península itálica realizaban retratos y los de los Países Bajos realizaron la pintura de género a pequeña escala presentando la vida campesina, el paisaje y la naturaleza muerta. En 1667, André Félibien historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés, en un prólogo de las Conferencias de la Academia hace una jerarquía de géneros de la pintura clásica: «la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos».8
Pintura histórica:
La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en sus Discursos sobre arte expuestos en la Royal Academy of Arts entre 1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es despertar la imaginación ... De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su obra ». Aunque Nicolás Poussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra Guernica de 1937, también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica.9
Retrato:
Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró en este sentido con sus más de sesenta autorretratos. El artista en general intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones: «La única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la calidad moral, nada temporal, efímero o accidental.»10 En la técnica del óleo fue Jan van Eyck uno de los primeros que lo impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo de retrato de pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus y éxito personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero.11 En España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los impresionistas franceses también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc. En el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.12
Pintura de género:
La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel el Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que, en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la intención satírica o moralizante en obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco de Goya reflejó, en varias obras de cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.13
Paisaje:
En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una manera específica se impuso el tema del «paisaje holandés», que se caracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con motivos típicos holandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y sus discípulos son con una apariencia lírica y un bello tratamiento cromático, este tipo de pintura se desarrolló sobre todo a lo largo de todo el siglo XVIII, en un estilo llamado vedutismo, que son vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana, generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores exponentes fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi. En la escuela de Barbizon fueron los primeros en pintar al aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base de la luz y sus variantes que influyeron especialmente en la pintura impresionista.14
Naturaleza muerta:
Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en el arte occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron magníficas naturalezas muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica. Con la llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard y Juan Gris.15
Desnudo:
El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia. El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en toda la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial.
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Que apliquemos creativamente los elementos de la pintura.
Que demostremos avances en el desarrollo de sus compasiones artísticas expresando su mundo.
ACTIVIDAD 1:
1. Presentaremos a los estudiantes una obra de arte sobre el arte abstracto, es un cuadro abstracto compuesto con figuras geométricas, que todas ellas en conjunto crean una imagen figurativa para nosotras como por ejemplo la siguiente imagen:
Cada estudiante tendrá que componer su propia obra de arte tomando como modelo de la anterior imagen y sus figuras correspondientes. Con la técnica de la pintura del arte abstracto. Cuando todos tengan su obra, se realizara una exposición para que todos puedan observarla y comentar sobre cada una de ellas lo que ven.
ACTIVIDAD 2:
1. Los estudiantes realizaran un ENSAYO sobre la parte cognitiva, sobre la pintura y sus tipologías.
PREGUNTAS:
¿Cómo?
¿Por qué?
¿Para qué?
Ideas principales.
Conclusiones.
ACTIVIDAD 3:
1. Los estudiantes realizaran un mapa conceptual sobre la historia de la pintura.
CIERRE DE LA CLASE
- Aclaración de dudas
- Evaluación: Se propone una evaluación en pedagogía constructivista que atienda los siguientes criterios: De los saberes: ser, hacer y saber hacer.
ACCIONES DE MEJORAMIENTO
Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística
- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.
- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
- Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en los estudiantes con desempeño bajo.
- Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias, emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los demás.
BIBLIOGRAFIA:
www.pinturayartistas.com/tecnicas-pintura/
www.profesorenlinea.cl/artes/pinturadefinicion.htm
PINTURA (PINTURA ABSTRACTA)
DESEMPEÑOS GRADO NOVENO –
SEGUNDO PERIODO
Grupo
|
Grado
|
Periodos
|
Ejes Curriculares – grado 9.
|
|||
Apreciación Estética
|
Técnica Artística
|
Comunicación
|
Estética y Sensibilidad
|
|||
IV
|
9º
|
2
|
A. Indaga sobre
los cambios en la percepción y construcción de la figura humana a través del
arte, teniendo como referente el arte abstracto.
|
B. Utiliza el
canon, las proporciones de la figura humana y las características de cada
género.
|
C. Propone de forma autónoma obras estéticas de la figura humana
integrando las técnicas y demás habilidades expresivas , y aplica la técnica de la pintura
con vinilos
|
D. Plasma sus y propósitos comunicativos en la
producción de sus creaciones artísticas.
|
SEGUNDO
PERIODO
INSTITUCION
EDUCATIVA CHAMPAGNAT
PLANES DE APRENDIZAJE DEL AREA DE EDUCACION ARTISTICA
AÑO LECTIVO 2017
GRADO - NOVENO
PLAN
DE APRENDIZAJE
|
|||||
Profesor: JAIME EVER MURIEL DESCANCE
|
Periodo:
2
|
Grado: 9
|
|||
Competencia:
|
|||||
Programa
|
Desempeño
|
Aprendizajes
|
Recursos
|
||
Semana
No. 1
|
A. Indaga
sobre los cambios en la percepción y construcción de la figura humana a
través del arte, teniendo como referente el arte abstracto.
|
A. A
través de un video identificación de
la técnica de la pintura, concepto de pintura, tipologías, los estudiantes deben responder ciertas
preguntas del docente, haciendo alusión a los conceptos de pintura y
características de la pintura abstracta. Anexo guía taller (Inducción a la
pintura). (BÁSICO)
|
-Video
beam.
-Cuaderno.
-Fotocopias.
-Lapiceros.
|
||
Semana
No. 2
|
A. Indaga
sobre los cambios en la percepción y construcción de la figura humana a
través del arte, teniendo como referente el arte abstracto.
|
A.
Identificar por medio de descripción de imágenes de obras de arte,
analizar la composición, y la armonía en el arte abstracto.
Anexo guía taller(BASICO)
|
-Video
beam.
-Cuaderno.
-Fotocopias.
-Lapiceros.
|
||
Semana
No. 3
|
A. Indaga
sobre los cambios en la percepción y construcción de la figura humana a
través del arte, teniendo como referente el arte abstracto.
|
A.
Identifica las características de la pintura del arte abstracto, en una
lectura comprensiva con preguntas de falso y verdadero.
Anexo guía taller(BASICO)
|
-Video
beam.
-Cuaderno.
-Fotocopias.
-Lapiceros.
|
||
Semana
No. 4
|
B. Construye composiciones artísticas mediante el manejo y
experimentación de ejes, colores y armonía en el arte abstracto.
|
B. Aplica la técnica de la pintura, con
vinilos, en esquemas de simplificación de las formas
simétricas y asimétricas en el arte abstracto.
Anexo
guía taller (ALTO)
|
-Video
beam.
-Cuaderno.
-Fotocopias.
-Lápices
de colores.
|
||
Semana
No. 5
|
B. Construye composiciones artísticas mediante el manejo y
experimentación de ejes, colores y armonía en el arte abstracto.
|
B.
Aplica en un taller creativo, utilizando imágenes o
gráficos de apoyo acerca, en esquemas donde se mira la
composición y la armonía de colores. En base a la técnica de la pintura con
vinilos, en el arte abstracto.
Anexo
guía taller (ALTO)
|
-Video
beam.
-Cuaderno.
-Fotocopias.
-Lápices
de colores.
|
||
Semana
No. 6
|
B. Construye composiciones artísticas mediante el manejo y
experimentación de ejes, colores y armonía en el arte abstracto.
|
B.
Ilustra diferentes expresiones en esquemas de simplificación de la forma, apoyándose en
imágenes del arte abstracto, en la figura humana, con la técnica de pintura
con vinilos.
Anexo
guía taller (ALTO)
|
-Video
beam.
-Cuaderno.
-Fotocopias.
-Lápices
de colores.
|
||
Semana
No. 7
|
C. Propone de forma autónoma obras
estéticas de la figura humana integrando las técnicas y demás habilidades
expresivas, y aplica la
técnica de la pintura con vinilos.
|
C.
Construye composiciones artísticas apoyándose en imágenes del arte abstracto,
en la figura humana, con la técnica de pintura con vinilos, con el arte
abstracto.
Anexo
guía taller (SUPERIOR)
|
-Fotocopias.
-Lápiz.
-Cartón
paja.
-Pinceles.
-Vinilos.
|
||
Semana
No. 8
|
C. Propone de forma autónoma obras
estéticas de la figura humana integrando las técnicas y demás habilidades
expresivas, y aplica la
técnica de la pintura con vinilos.
|
C.
Descubre efectos visuales de
proporciones, en esquemas de simplificación de la forma,
composición ,y armonía con la técnica del arte abstracto.(SUPERIOR)
|
-Fotocopias.
-Lápiz.
-Cartón
paja.
-Pinceles.
-Vinilos.
|
||
Semana
No. 9
|
D.
Reflexiona sobre la experiencia perceptiva y emotiva presentes en la
apreciación de obas artísticas.
|
D.
Crea ensayos de arte donde reflexiona sobre la experiencia perceptiva de las
formas simétricas y asimétricas, en la
técnica de pintura con vinilos. (SUPERIOR)
|
-Cuaderno.
-Fotocopias.
-Lapiceros.
|
||
Semana
No. 10
|
D. Reflexiona sobre la
experiencia perceptiva y emotiva presentes en la apreciación de obas
artísticas.
|
D.
Crea mapas conceptuales con el concepto de pintura y sus tipologías.
(SUPERIOR
|
-Cuaderno.
-Fotocopias.
-Lapiceros.
|
||
SABERES:
1. SABER SER:
PROPOSITO: Que coloquemos nuestro interés en el
proceso de interpretación de imágenes:
ACTIVIDAD
DE MOTIVACIÓN 1.
OBSERVACION
DEL VIDEO.
Abstract acrylic painting Demo - Abstrakte Malerei "Flüsterzeit" by Zacher-Finet
Realización acelerada de un cuadro abstracto - Digitalis por John Beckley
Realización acelerada de un cuadro abstracto - Digitalis por John Beckley
ANALISIS DEL VIDEO. (Preguntas):
¿De qué trata esta los videos? ¿A qué se refiere?
¿Qué expectativas despierta los videos?
¿Qué expectativas despierta los videos?
ACTIVIDAD DE MOTIVACIÓN 2.
Mira las siguientes imágenes:
ANÁLISIS DE IMÁGENES PREGUNTAS:
¿Qué estado de ánimo te produce cada una de las obras de arte?
¿Toda persona que pinta es artista?
¿Todos pueden realizar obras de arte? ¿Por qué?
¿Una copia es una obra de arte?
¿El arte se debe de entender?
¿El arte es universal?
¿Todo el mundo puede distinguir una obra de arte? ¿Por qué?
¿Qué es más relevante la forma o el contenido de una obra de arte?
¿El espectador debe de entender lo que el artista quiso decir en su obra? ¿Por qué?
¿Cuál es mejor, el arte antiguo o el moderno?
¿El arte debe de ser agradable a la vista? ¿Por qué?
¿Qué es más importante en una obra artística, la técnica o el contenido?
¿Existe arte bueno y arte malo?
¿Qué tan importante es la técnica en una obra de arte?
¿Qué tan importante es la técnica en una obra de arte?
¿Para qué sirve el arte?
2. EL SABER:
PROPOSITO:
Que Identifiquemos y reconozcamos los elementos básicos de la pintura.
Que tengamos claridad cognitiva sobre cada una de las habilidades y eje temático.
CLARIDAD COGNITIVA:
DEFINICION DE PINTURA:
La pintura es una manifestación artística de carácter visual que se sirve de un conjunto de técnicas y materiales para plasmar, sobre una superficie determinada, una composición gráfica según ciertos principios estéticos
La pintura conjuga elementos de la representación plástica como las formas, los colores, las texturas, la armonía, el equilibrio, la perspectiva, la luz, el movimiento, etc., para trasmitir al espectador una experiencia estética que evoque emociones, conceptos, ideas, e innumerables interpretaciones en un sentido social, psicológico, cultural, político, religioso, etc.
Como tal, es una disciplina que consiste en aplicar sobre una superficie determinada (una tela, una hoja de papel, una lámina de madera, un muro) una serie de pigmentos o sustancias orgánicas, para crear una composición de formas, colores y texturas que dan lugar a una obra de arte.
La pintura es una de las expresiones más antiguas de las bellas artes. Su origen se rastrea en las pinturas rupestres del hombre prehistórico diseminadas por todo el planeta, y mantiene absoluta vigencia en el mundo contemporáneo, donde además de los soportes y las técnicas tradicionales, se vienen a sumar las técnicas digitales que las nuevas tecnologías proporcionan.
La pintura puede clasificarse de diferentes formas:
· Según los temas que represente: histórica, de género, paisaje, naturaleza muerta, desnudo, etc.
· Según criterios históricos: prehistórica, grecorromana, gótica, renacentista, barroca, moderna, etc.
· Según las tendencias o movimientos en que se sitúe: realismo, impresionismo, simbolismo, vanguardismo, hiperrealismo, etc.
· Según las técnicas empleadas: óleo, cera, acuarela, puntillismo, témpera, acrílico, pastel, temple, tinta, fresco, etc.
TIPOLOGIA DE LA PINTURA:
Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es siempre una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su buena representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real. Vitruvio en la segunda parte del siglo I, describió la decoración de comedores donde se veían imágenes con comida y de otras salas con paisajes o escenas mitológicas.6
En el renacimiento, Leon Battista Alberti quiso elevar el grado de «artesano de la pintura» al de «artista liberal» afirmando: «El trabajo más importante del pintor es la historia», con la palabra historia se refería a la pintura narrativa, con escenas religiosas o épicas « ... la que retrata los grandes hechos de los grandes hombres dignos de recordarse difiere de la que describe las costumbres de los ciudadanos particulares, de la que pinta la vida de los campesinos. La primera tiene carácter majestuoso, debe reservarse para edificios públicos y residencias de los grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines »
La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que, aunque no se perdiera la monumentalidad para murales narrativos, surgieran las pinturas más comerciales y en otros formatos más manejables, así comenzaron a clasificarse los géneros pictóricos y su especialización por parte de los artistas. En la Italia central se continuó haciendo pintura histórica, los pintores de la parte norte de la península itálica realizaban retratos y los de los Países Bajos realizaron la pintura de género a pequeña escala presentando la vida campesina, el paisaje y la naturaleza muerta. En 1667, André Félibien historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés, en un prólogo de las Conferencias de la Academia hace una jerarquía de géneros de la pintura clásica: «la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos».8
Pintura histórica:
La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en sus Discursos sobre arte expuestos en la Royal Academy of Arts entre 1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es despertar la imaginación ... De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su obra ». Aunque Nicolás Poussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra Guernica de 1937, también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica.9
Retrato:
Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró en este sentido con sus más de sesenta autorretratos. El artista en general intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones: «La única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la calidad moral, nada temporal, efímero o accidental.»10 En la técnica del óleo fue Jan van Eyck uno de los primeros que lo impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo de retrato de pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus y éxito personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero.11 En España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los impresionistas franceses también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc. En el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.12
Pintura de género:
La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel el Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que, en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la intención satírica o moralizante en obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco de Goya reflejó, en varias obras de cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.13
Paisaje:
En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una manera específica se impuso el tema del «paisaje holandés», que se caracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con motivos típicos holandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y sus discípulos son con una apariencia lírica y un bello tratamiento cromático, este tipo de pintura se desarrolló sobre todo a lo largo de todo el siglo XVIII, en un estilo llamado vedutismo, que son vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana, generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores exponentes fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi. En la escuela de Barbizon fueron los primeros en pintar al aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base de la luz y sus variantes que influyeron especialmente en la pintura impresionista.14
Naturaleza muerta:
Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en el arte occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron magníficas naturalezas muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica. Con la llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard y Juan Gris.15
Desnudo:
El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia. El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en toda la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial.
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Que apliquemos creativamente los elementos de la pintura.
Que demostremos avances en el desarrollo de sus compasiones artísticas expresando su mundo.
ACTIVIDAD 1:
1. Presentaremos a los estudiantes una obra de arte sobre el arte abstracto, es un cuadro abstracto compuesto con figuras geométricas, que todas ellas en conjunto crean una imagen figurativa para nosotras como por ejemplo la siguiente imagen:
Cada estudiante tendrá que componer su propia obra de arte tomando como modelo de la anterior imagen y sus figuras correspondientes. Con la técnica de la pintura del arte abstracto. Cuando todos tengan su obra, se realizara una exposición para que todos puedan observarla y comentar sobre cada una de ellas lo que ven.
ACTIVIDAD 2:
1. Los estudiantes realizaran un ENSAYO sobre la parte cognitiva, sobre la pintura y sus tipologías.
PREGUNTAS:
¿Cómo?
¿Por qué?
¿Para qué?
Ideas principales.
Conclusiones.
ACTIVIDAD 3:
1. Los estudiantes realizaran un mapa conceptual sobre la historia de la pintura.
CIERRE DE LA CLASE
- Aclaración de dudas
- Evaluación: Se propone una evaluación en pedagogía constructivista que atienda los siguientes criterios: De los saberes: ser, hacer y saber hacer.
ACCIONES DE MEJORAMIENTO
Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística
- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.
- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
- Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en los estudiantes con desempeño bajo.
- Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias, emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los demás.
BIBLIOGRAFIA:
www.pinturayartistas.com/tecnicas-pintura/
www.profesorenlinea.cl/artes/pinturadefinicion.htm
No hay comentarios:
Publicar un comentario