INSTITUCION EDUCATIVA CHAMPAGNAT
SIBUNDOY
GUÍATALLER–GRADO DÉCIMO
ÁREA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA
DIBUJO
DIBUJO
Año lectivo: 2015
www.taringa.net900 × 718Buscar por imágenes Megapost Dibujos en 3D hechos con lápiz.
ESTANDARES DEL AREA DE EDUCACION ARTISTICA (EL DIBUJO)
1. ESTANDAR:
Desarrollo perceptivo del dibujo artístico.
• EJE CURRICULAR:
Sensibilizarse ante las manifestaciones artísticas.
• DESEMPEÑOS DE COMPETENCIA:
Aprecia el dibujo artístico, en base a los propósitos básicos del dibujo.
2. ESTANDAR:
Desarrollo expresivo de ideas atravez de las diversas posibilidades del dibujo artístico.
• EJE CURRICULAR:
Apreciar las manifestaciones artísticas.
Conocimiento artístico y cultural.
• DESEMPEÑOS DE COMPETENCIA:
Percibe en el conocimiento del dibujo artístico, en diversas posibilidades del dibujo, y técnicas en el arte.
3. ESTANDAR:
Construcción y reconocimiento de los elementos propios del lenguaje del dibujo artístico.
• EJE CURRICULAR:
Apreciar las manifestaciones artísticas del dibujo.
Conocimiento de las diferentes técnicas del dibujo.
• DESEMPEÑOS DE COMPETENCIA:
Percibe en el conocimiento del dibujo artístico, las diversas posibilidades del dibujo y técnicas en el arte.
4. ESTANDAR:
Formación del juicio apreciativo de la producción artística con base a su entorno cultural.
• EJE CURRICULAR:
Expresar y comunicar estéticamente.
Conocimiento de las diferentes técnicas del dibujo.
• DESEMPEÑOS DE COMPETENCIA:
Dibuja la figura humana (la cabeza artísticamente y en caricatura) y aplica la técnica del claro-oscuro.
Dibuja bodegones artísticamente con la técnica del claro-oscuro.
5. ESTANDAR:
Desarrollo perceptivo de las propuestas graficas a partir del dibujo en sus formas geométricas en el arte.
• EJE CURRICULAR:
Sensibilizarse ante las manifestaciones artísticas.
• DESEMPEÑOS DE COMPETENCIA:
Aprecia la importancia de las formas geométricas en el dibujo artístico.
Dibuja la figura humana (en formas geométricas y perspectiva), aplicando la técnica del claro-oscuro.
Dibuja bodegones artísticamente, aplicando las formas geométricas y perspectiva, con la técnica del claro-oscuro.
SABERES:
1. SABER SER:
PROPOSITO:
Que coloquemos nuestro interés en el proceso de interpretación de imágenes geométricas.
Y el reconocimiento de los elementos básicos del dibujo.
ACTIVIDAD DE MOTIVACIÓN 1.
Historia del dibujo y la pintura:
www.youtube.com/watch?v=_1z9f1bt_Bo
ANALISIS DEL VIDEO:
PREGUNTAS:
1. Argumento del video e ideas principales.
2. Contexto histórico: hechos y conceptos.
Interpretación: ¿cuál era el objetivo del video? ¿Qué impresión te cuso el video? ¿crees que el video cumple con el objetivo?
.
ACTIVIDAD DE MOTIVACIÓN 2:
Mira las siguientes imágenes: Menciono cada una de las formas que conforman la obra ejemplo: La figura humana (Las formas geométricas y perspectiva).
https://www.google.com.co/search?q=imagenes+de+cubismo&biw=1360&bih=667&source=lnms&sa=X&ei=ksvnVJSlJ9G0sATF2IG4Cw&ved=0CAcQ_AUoAA&dp
DESCRIPCION DE LAS OBRAS DE ARTE:
Describe cada una de las obras de arte, y responde las siguientes preguntas:
• ¿Qué estado de ánimo te produce la obra?
• Como sientes la obra: ¿interesante? ¿divertida? ¿deprimente? ¿Triste?
• ¿Te gustaría estar plasmado en algún lugar de la obra, dónde?
• Tal vez escuchas algún sonido, o sientes algún olor cuando vez la obra, podrías describirlos?
• ¿Cómo son los colores? ¿fríos? ¿Cálidos?
• ¿Y las pinceladas cómo son? ¿Cortas? ¿Largas? ¿Punteadas? ¿Dramáticas? ¿Suaves?
• ¿Qué crees que haya pasado antes de que el pintor plasmara los colores en el lienzo?
• ¿Qué crees que va a pasar en la próxima secuencia?
• ¿Qué crees que pasa afuera del marco si quisieras continuar con la escena? ¿Atrás? ¿Encima? ¿Debajo? ¿A los lados?
• ¿Que nos quiere decir el artista con su obra?
• ¿Cómo sientes la obra en su totalidad?
• ¿Cuáles o cuáles son los detalles que te parecen son más importantes?
• ¿Qué detalle fue el que primero te llamó la atención?
• ¿Cómo sientes la obra, fría, cálida?
• ¿Cómo sientes el clima, llueve, hace viento, es calmado
• ¿Es de día o de noche?
• ¿Qué lugar del planeta o del universo se plasma en la obra?
• ¿Es un mundo fantástico, o una metáfora, o una realidad?
2. EL SABER:
PROPOSITO:
Que Identifiquemos y reconozcamos los elementos básicos del dibujo artístico, en las formas geométricas de la figura humana, con la técnica del claro- oscuro.
Que tengamos claridad cognitiva sobre cada una de las habilidades y eje temático.
CLARIDAD COGNITIVA:
LA FIGURA HUMANA
DEFINICIÓN
La figura Humana es uno de los mayores desafíos al momento de dibujar y pintar, si bien cada uno tiene un concepto de ella, es necesario conocer y aprender aquellos elementos claves que hacen posible una buena expresión de la belleza de la figura humana.
HISTORIA
En el estudio del Cuerpo Humano u Hombre ya hecho desde la antigüedad cuando la civilización en el Siglo de Oro, la civilización de Grecia clásica asimiló, en su historia un principio acorde a nuestra misma presencia en la naturaleza del Mundo, el amor a la belleza en nuestro cuerpo físico y corporal o, el que algo después fue llamado como la estética, en el sentido de buscando en su base su relación en la naturaleza y en ello, con la práctica de las medidas matemáticas, es decir, en el estudio del cuerpo quizá en su aspecto espiritual y ya entonces en el aspecto físico, fue un concepto el cual nos creó la noción de la consciencia básica, elemental, conceptual, funcional e íntegra de la forma de nuestro cuerpo natural.
Ese primer estudio pudo derivar en la ciencia de la anatomía, término ofrecido por Aristóteles y que seguido sería una alta ciencia funcional y práctica aplicada en la realización del cuerpo del individuo, en la salud, en la sociedad y en el arte; de entre sus funciones lo primero es conservar y cuidar de su sistema locomotor comprendido por el sistema esquelético, el sistema nervioso, el sistema muscular y el sistema articulatorio, a partir de éste término es como en la medicina en su parte dio origen a sus 3 divisiones del cuerpo físico: la cabeza, el tronco y las extremidades [ superiores e inferiores ].
COMO DIBUJAR LA FIGURA HUMANA
EL CUERPO
Cuando nos disponemos a aprender a dibujar figura humana lo principal son las proporciones del cuerpo, para lo cual se emplea la cabeza como unidad de medida.
La cabeza cabe 8 veces y 3/4 en la altura total del cuerpo. El cuello erguido mide entre 1/4 y 1/2 cabeza.
La parte anterior del torso tiene 3 cabezas de longitud, abarca desde los hombros (una línea horizontal trazada por los hombros) hasta el arco púbico. El dorso se divide en tres secciones, la primera llega de los hombros a la base de los bíceps, la segunda hasta el ombligo, y la tercera hasta el pubis.
La parte posterior del torso mide 3 y 1/2 cabezas hasta la línea inferior de los glúteos. .
LAS EXTREMIDADES
El brazo mide 2 y 3/4 cabezas, desde el hombro hasta la muñeca. La línea del ombligo coincide casi con el codo.
La mano mide 3/4 de cabeza. Con lo cual, la longitud total del brazo llega a 3 y 1/2 cabezas. .
La pierna mide 4 cabezas de largo y comienza a la altura de la muñeca y llega hasta el tobillo. La parte media de la pierna coincide con la rodilla.
El pie tiene una altura de aproximadamente 1/4 de cabeza desde el tobillo hasta el suelo. El largo es variable. .
Con estas proporciones, podemos trazar un esquema de la figura humana.
LA CABEZA
Uno de los métodos mas usados en el aprendizaje del dibujo, ya sea en la representación de figuras como espacios, es tratando de “ver” o imaginar a los objetos como si estos fueran figuras geométricas, esto es, simplificando la figura en su masa completa y relegando los detalles a un plano secundario.
La mayoría de los buenos maestros recomiendan partir por el todo y no por el detalle, siendo además este todo una síntesis de su estructura.
TÉCNICA PARA DIBUJAR FIGURA HUMANA
Luego que tenemos las proporciones marcadas en una línea vertical, podemos comenzar a trazar figuras geométricas que envuelvan las distintas partes de la figura humana. La cabeza tendrá forma de huevo invertido, más o menos ancho, según se trate de un hombre o mujer. El cuello será un rectángulo, más fino para las mujeres. El torso es un triángulo invertido, con la base más ancha para los hombres. La cadera es otro triángulo invertido más pequeño, que será de base mayor en las mujeres. Las piernas nacen en los lados del triángulo. Los brazos nacen en la articulación de los hombros.
Es de mucha utilidad para dibujar la figura humana, conocer de anatomía, y podemos ayudarnos con láminas de anatomía humana.
Para dibujar figura humana hay muchas técnicas que podemos emplear, las realistas, caricatura, animé, etc., todo depende de nuestras habilidades y del tipo de dibujo que deseamos. Además de las nociones de anatomía necesarias para dibujar figura humana, es necesario conocer las posiciones que puede adoptar el cuerpo, para esto resulta una valiosa ayuda dibujar esquemáticamente el esqueleto del personaje, eso también sirve de soporte a la figura humana y facilita la tarea de adjudicar las proporciones a las diferentes partes del cuerpo. .
Cuando tenemos la figura humana completa, recién comenzaremos a agregarle los detalles (vestimenta, rasgos faciales, etc).
FIGURA HUMANA MASCULINA Y FEMENINA
LA FIGURA HUMANA
1. El estudio de las proporciones humanas se remonta a mas de unos 5000
años atrás, con la cultura egipcia. Donde encontraron el canon
más antiguo del estudio de las proporciones humanas.
Desde esos tiempos, el estudio de las proporciones fue evolucionando y perfeccionando.
Existen tres cánones para determinar las proporciones de la figura humana:
-Un canon de siete cabezas y media = figura común
-Un canon de ocho cabezas = figura ideal
-Un canon de ocho cabezas y media a nueve = figura heroica
Los griegos consideraban que la figura humana era un símbolo de la perfecta proporción como manifestación de la naturaleza; gracias al profundo estudio de las proporciones, pudieron imitar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron una expresividad y realismo perfectos en sus admirables obras. La belleza griega encierra en su interior una exaltación del desnudo como algo natural que nos devuelve al tiempo en que hombre y Naturaleza no se hallaban en contradicción. Los desnudos griegos son nobles, armonizan lo natural con lo más sublime, lo espiritual. los hombres griegos debían estar hechos a imagen y semejanza del estado, fuertes y bien proporcionados.
El canon es el término que se aplica a partir del arte clásico a conjunto de proporciones ideales para la representación perfecta del ser humano. Es un código orientativo que, mediante fórmulas matemáticas, establece las proporciones ideales del cuerpo humano, dividiéndolo en sectores que reciben el nombre de módulos.
La medida estándar del cuerpo humano es de ocho cabezas de altura. Es decir que para comenzar a dibujar un personaje partiremos por la cabeza, la que tomaremos como referencia para el tamaño del cuerpo.
• La cabeza es una octava parte del cuerpo, y por lo tanto un módulo. Dicho módulo se mide desde la parte alta de la cabeza hasta el fin del mentón, sin incluir el largo del cuello.
• La anchura de las sienes, determina la anchura del hombro desde la base del cuello hasta la articulación.
• El codo corresponde con la cintura, la muñeca con el pubis y la mano con la mitad del muslo.
• La longitud del muslo es igual a la de las piernas.
Tanto en el hombre como en la mujer el brazo llega más o menos hasta la cintura. El tamaño del antebrazo es igual al del brazo. La muñeca debe llegar más o menos hasta el pubis.
Observa que el hombre tiene la espalda mucho mas ancha que la mujer. La mujer en cambio tiene las caderas más anchas que las del hombre.
Es obvio que en el hombre se resaltan más los músculos que en la mujer.
Como dije, ésta es una medida estándar, lo que quiere decir que no todos nuestros personajes deben medir necesariamente ocho cabezas. El tamaño cambia de acuerdo a la edad o el sexo del personaje. Pero siempre debemos recordar que, sin importar la altura, el centro del cuerpo humano se encuentra a la altura del pubis.
LOS MUSCULOS
También es bueno que conozcamos los músculos para poder dibujar bien la figura humana. En estos dibujos podemos ver (más o menos) los principales músculos frontales y dorsales.
Ya conocemos las proporciones del cuerpo humano y algo de los músculos. Pero, ¿cómo empezamos a dibujar nuestro personaje en distintas posiciones?.
Antes que nada debes imaginar en qué posición se encontrará tu personaje. Una vez que has decidido la posición, dibuja un esquema del personaje como se ve en los siguientes dibujos (no te vayas a dibujar todos los huesos del cuerpo). Esto es muy importante si aún no tienes mucha experiencia con las proporciones del cuerpo. ¿Por qué? Imagínate que comienzas a dibujar tu personaje, lo terminaste y hasta lo entintaste. Luego, cuando observas bien tu obra de arte te das cuenta de que un brazo te salió muy corto. ¿Qué haces? Para evitarte esta clase de problemas es que debes hacer el esquema. Dibújalo en la posición que quieras, revisa bien que todo esté en orden, corrige todos los errores de proporción y una vez que estés cien por ciento contento con tu esqueleto recién puedes empezar a darle volumen. Ni se te ocurra empezar a dibujar a tu personaje vestido. Los detalles como los ojos, el cabello y la ropa se hacen después.
.LOS ELEMENTOS GRÁFICOS EN EL DIBUJO EXPRESIVO
Conocimientos básicos
Para representar los objetos y las formas del en¬torno por medio del dibujo de libre expresión, es necesario poseer una serie de conocimientos bási¬cos. Estos pueden clasificarse en tres grandes gru¬pos:
• Los elementos gráficos y su sintaxis.
• El volumen y el espacio en la representación gráfica.
• Las técnicas gráficas.
El punto
En dibujo y en pintura el punto no tiene dimensión ni forma establecida. Puede ser un elemento
protagonista en la composición —un círculo o una mancha que se destaquen aisladamente de los demás elementos de la obra— o una pequeña huella casi
imperceptible.
Aplicaciones del punto en el dibujo expresivo
Las funciones esenciales que cumple el punto en el dibujo creativo son, entre otras, la creación de texturas y la creación del volumen.
Los elementos gráficos
Se consideran elementos gráficos todos aquellos componentes simples que estructuran y dan cuerpo a un dibujo. Los más utilizados son: el punto, la lí¬nea, la mancha, la textura y el color.
Cada uno de estos elementos puede utilizarse en una doble dimensión: una objetiva y técnica, orien¬tada más a representar con exactitud los objetos, y otra subjetiva y creativa, orientada más a expresar las emociones del autor. Esto no significa que las dos dimensiones sean excluyentes, puesto que en muchas ocasiones se complementan entre sí. Esta integración de las dos variantes, técnica y creativa, se da en numerosas aplicaciones del dibujo. Hay disciplinas que requieren del uso de construcciones geométricas para su planteamiento, así como del empleo del color, de las texturas... para su resolu¬ción final.
La línea
La línea es el elemento gráfico esencial del dibujo. Sirve para describir, concretar y fijar la apariencia de las formas tangibles y también para dar cuerpo a todo aquello que sólo existe en la mente del autor.
Con la línea se dibuja el contorno de las cosas y se delimitan las formas, concretas o abstractas. Sin embargo, si observamos cualquier objeto, vemos que no existe ningún tipo de línea que defina su con¬torno y que éste queda delimitado por la diferencia de color existente entre el objeto y el fondo sobre el que se sitúa. Por lo tanto, se puede afirmar que la lí¬nea de contorno es un artificio ideado por el hom¬bre para hacer posible la representación dibujística.
Tipos de línea
La línea de contorno se puede clasificar en conti¬nua o discontinua y en visible o no visible. El dibu¬jante usará una u otra atendiendo a la expresividad, la intención plástica o el carácter que quiera dar a su obra. La línea se puede dividir en grafismos y trazos.
Se llaman grafismos a aquellas líneas que mantie¬nen el mismo grosor en toda su extensión, como si estuviesen dibujadas con estilógrafos u otros instru¬mentos que controlen su espesor con precisión.
Por el contrario, los trazos son las líneas que no mantienen la homogeneidad y cuyo grosor aumenta o disminuye a lo largo de su recorrido, como si hu¬biesen sido trazadas con pincel, carboncillo o rotula¬dor variando la posición de la punta.
Aplicaciones de la línea en el dibujo
Además de la utilidad antes mencionada, las apli¬caciones de la línea en el dibujo creativo son muy nu¬merosas; se emplea para encajar, para crear texturas, volumen, espacio, para estructurar una superficie, do¬tar de ritmo a la composición...
ELEMENTOS DE SENSIBILIZACIÓN DE SUPERFICIES
La mancha
La mancha es la parte de la superficie pictórica o dibujística que tiene un color, una oscuridad/ lumino¬sidad o una textura distintos a los del resto de la obra. Es un recurso expresivo muy utilizado por los pintores y confiere al cuadro sensación de frescura, de espontaneidad y de libertad creativa.
Aplicaciones de la mancha en el dibujo expresivo
La mancha sirve para estructurar superficies, pa¬ra encajar, para crear volumen o espacio. Posee evi¬dentes ventajas frente a otros elementos del dibujo, pero también inconvenientes manifiestos. Entre las ventajas se encuentran la rapidez en la ejecución de la obra y la expresividad fácil e inmediata. Entre los inconvenientes, hallamos una mayor dificultad de aplicación para los principiantes. Al ser la mancha un elemento más gestual que la línea o el punto, pro¬porciona menor exactitud que éstos a la hora de en¬cajar, de valorar el claroscuro y de crear efectos es¬paciales o volumétricos.
LA TEXTURA
En el dibujo, la textura es siempre visual, bidimen¬sional y no perceptible al tacto. Dota de gran expre¬sividad a las superficies a las que se aplica.
Existen tramas impresas presentadas en papel opaco y en láminas transparentes autoadhesivas. En estas tramas podemos encontrar estructuras geométricas o imitaciones al trazado irregular co¬mo el que se podría obtener realizándolas a mano (figura 9).
Tienen mayor valor estético las texturas creadas por el dibujante, sujetas a su capacidad creativa y a su destreza manual. Por lo general, presentan una ordenación irregular de los elementos que las com¬ponen y son mucho más adecuadas que las primeras para la modulación tanto del volumen como de la luz de las figuras a las que se aplican.
El color
El intento de decidir qué es más importante en un dibujo, la línea o el color, ha generado históricamen¬te opiniones enfrentadas. Para muchos autores tra¬dicionales la línea es realmente el elemento estructurador de las formas, mientras que el color cumple un papel meramente expresivo, sin valor configurador
En la actualidad, gracias a los descubrimientos de la teoría de los colores y a la evolución del arte mo¬derno, se reconoce la importancia del tono y la ver¬satilidad de sus aplicaciones, que la equiparan a la de la línea. La aplicación del color en el dibujo no só¬lo corresponde a la modulación de las formas, sino que también debe estar presente en el fondo de la obra para dotar así de coherencia al conjunto. Esto se puede obtener fácilmente utilizando soportes co-loreados.
3. SINTAXIS DE LOS ELEMENTOS GRÁFICOS
La sintaxis y sus elementos
La sintaxis de una obra dibujística es el estudio de la relación que se establece entre todos los elemen¬tos gráficos y las leyes que los ordenan.
Los aspectos básicos de la sintaxis gráfica son los siguientes:
1. La posición del soporte
Lo primero que se debe hacer antes de proceder al encajado de cualquier forma es elegir la posición que tendrá el soporte. Para ello, observaremos dete¬nidamente el modelo y estudiaremos las dimensio¬nes predominantes. Así, si la altura es superior a la anchura, situaremos el papel en posición vertical. Si, por el contrario, es la anchura la dimensión que pre¬domina elegiremos la posición apaisada.
2. La relación figura/ fondo
El segundo paso a seguir consiste en concretar a grandes rasgos la porción de superficie que va a ocu¬par el dibujo, es decir, establecer la relación entre fi¬gura y fondo. Es conveniente, por lo tanto, marcar unos márgenes en el papel que delimiten el espacio que van a ocupar las formas. El margen superior de¬be ser de mayor tamaño que el inferior con el fin de dar sensación de peso a la composición.
Un error muy frecuente entre los principiantes es no fijar de antemano la relación figura/ fondo, con lo que el dibujo suele resultar demasiado pequeño o demasiado grande para el soporte.
3. La medición de las dimensiones
Para ayudarnos a conseguir la proporción de las formas y establecer la relación entre las partes y establecer todo, podemos utilizar la longitud del lápiz. Con el brazo bien extendido, situaremos la punta de lápiz en la parte superior del objeto que queremos y, con el dedo pulgar, señalaremos la parte inferior o base. La medida así obtenida no sirve para trasladarla al papel, pero sí para asegurarnos de la correspondencia entre las dimensiones.
El brazo debe estar extendido al máximo en todo momento. Las medidas se tomarán mirando el objeto con un ojo cerrado. Se medirá la altura total y, a continuación, girando el lápiz, se comprobará si esa magnitud es menor o mayor que la anchura. Se repetirá la operación con todos los objetos que componen el modelo y la relación de medidas obtenida servirá para ir encajando las formas.
4. El encajado
Una vez superados los pasos anteriores se puede proceder al encajado de las formas. Se trazan los ejes de simetría, si los hubiera, de cada uno de los objetos atendiendo a la separación que hay entre ellos y a su posición espacial, que puede ser vertical, horizontal o inclinada.
Después, iremos situando a ambos lados del eje de simetría las proporciones que corresponden a ca¬da una de las partes del objeto, dibujando general¬mente con líneas rectas que encajen «perfectamen¬te” las formas que queremos representar.
Es éste un proceso que requiere una comparación constante entre las medidas de las partes del objeto y la relación de dimensiones entre un objeto y otro.
A continuación, se procede a la concreción de las formas, dibujando las líneas curvas de los elementos.
El planteamiento expuesto no es el único posible:
Se puede encajar también por medio de manchas o de líneas que marquen las direcciones del movimien¬to o del ritmo interno de la composición, sin embar¬go, estos métodos encierran mayor dificultad.
Por otra parte, es útil tomar una parte de cualquier objeto como módulo o unidad de medida y, partiendo
de él, proporcionar el resto del conjunto. En ese caso pueden hacerse preguntas como éstas: ¿Cuántas veces está contenido el módulo en la anchura o altura
Objeto al que pertenece? ¿Y cuántas, en la altura o de otros objetos?.
4. REPRESENTACIÓN SUBJETIVA DEL VOLUMEN Y EL ESPACIO
El volumen y el claroscuro
Cualquier forma representada sólo por su contorno se visualiza sin volumen, es decir, plana, pero si lo que pretendemos es crear sensación de volumen en el di¬bujo, tendremos que recurrir al empleo del claroscuro.
El claroscuro es el juego de luces y sombras pre¬sente en cualquier representación gráfica. Su finali¬dad esencial es la de modelar las figuras fingiendo la tridimensionalidad que le falta al soporte plano.
Las luces y las sombras
En toda forma iluminada se pueden distinguir di¬ferentes zonas de luces y de sombras. En el dibujo se resuelve su representación aplicando los diferentes valores de las escalas cromáticas y acromáticas, se¬gún se trate de dibujos en color o en blanco y negro. Por esta razón, el aplicar correctamente las luces y las sombras en un dibujo recibe el nombre de valorar o entonar.
Generalmente, sobre el cuerpo a representar se encuentran las zonas de luces y sombras siguientes:
• La zona iluminada, que corresponde a la superfi¬cie que recibe la luz directamente.
• La penumbra, que es una zona contigua a la ante¬rior, que al recibir los rayos luminosos de forma amortiguada presenta una sombra clara.
• La sombra propia del cuerpo, que es en donde se registra la máxima oscuridad del mismo.
• En algunos casos aparece el reflejo, que es una pe¬queña extensión cercana al contorno del cuerpo y débilmente iluminada por los rayos que reflejan las superficies próximas a él.
• La sombra arrojada, que es la que proyecta el pro¬pio objeto sobre los cuerpos o las superficies ad¬yacentes.
Se puede valorar o entonar un dibujo utilizando cualquiera de los signos gráficos, desde el punto has¬ta las texturas, pasando por la línea, la mancha, etc. Cada uno de estos elementos proporcionará a la obra una expresividad particular y es el autor el que debe decidir a cuál recurrir en función de su inten¬cionalidad plástica.
Para llegar a dominar la técnica de entonación de un dibujo es muy conveniente dibujar varias veces un mismo objeto aplicándole el claroscuro mediante la utilización de puntos, manchas, texturas, etc.
El espacio
El problema de la representación espacial sobre el plano del cuadro es una constante a lo largo de la historia de las artes plásticas. Desde los hombres prehistóricos, que dibujaban sobre los relieves y oquedades de las rocas para dotar de volumen a sus pinturas, hasta obras contemporáneas, en las que se rasga el lienzo para romper su bidimensionalidad, la historia de la pintura y del dibujo ha pasado por una serie de etapas presididas por la búsqueda de la ma¬terialización del espacio físico sobre el soporte.
Ya hemos visto que el empleo del claroscuro ayu¬da a la representación volumétrica de las formas y, en ocasiones, crea también efectos espaciales. No obstante, hay otros métodos que producen en el es¬pectador una ilusión espacial más acentuada que el simple uso del claroscuro. Uno de los métodos más
utilizado por los pintores y los dibujantes es el siste¬ma cónico o perspectiva cónica, tanto en su variante lineal como aérea.
Los fenómenos perceptivos que colaboran a au¬mentar la sensación de espacio son los siguientes:
• El traslapo.
• La colocación de los primeros planos en la parte inferior del soporte.
• La modulación de las texturas.
• El diferente tamaño de los objetos.
• La convergencia de las líneas paralelas. • La pérdida de definición por efecto de la lejanía.
5. LAS TÉCNICAS GRAFICAS
Las técnicas más utilizadas
Las técnicas gráficas son los procedimientos que emplea el artista para la realización de sus dibujos. Las técnicas más usuales son las técnicas de lápices de grafito o de colores, carboncillo y lápiz compues¬to, sanguinas, pasteles, tintas y técnicas mixtas.
Lápices de grafito
Los lápices de grafito están graduados según su blandura o su dureza en una escala que va desde el 8B hasta el 8H: la letra B designa la blandura y la H la dureza. El número antepuesto a dichas letras in¬dica el grado de blandura o dureza relativas. Así, un lápiz 7B será más blando que un 5B o un 3B. La misma relación numérica se utiliza para señalar la dureza.
Se puede dibujar con lápices de grafito de dos for¬mas distintas: con la punta de la mina o con el lápiz tumbado.
Con la punta de la mina se pueden trazar puntos, líneas formando rayados, tramados o cualquier otro signo gráfico. Las diferencias tonales de las luces y las sombras se obtendrán uniendo o separando las líneas de los rayados —muy juntas o entrecruzadas para las sombras y separadas para las luces— o bien engrosando los trazos en las zonas oscuras y adelga-zándolos en las claras.
El empleo del lápiz tumbado, por su parte, es idó¬neo para el dibujo de mancha. La mayor o menor presión ejercida sobre los lados de la mina proporcionará sombras de distintos valores. Los lápices de colores se utilizan exactamente igual que los de grafito y resul¬ta muy interesante la combinación de ambos.
Carboncillo y lápiz compuesto
El carboncillo es la técnica más tradicional para ¡ el dibujo de estatuas y el dibujo del natural.
1. Al aplicar el carbón al papel del dibujo se desprenden una serie de partículas que se pueden ex-
expanden con los dedos o con difuminos.
Las principales características del carboncillo a son su gran inestabilidad y su capacidad de producir a negros muy intensos.
El lápiz compuesto tiene la mina de carbón mez¬clada con un aglutinante que le da mayor fijeza so¬bre el papel. Existen tres grados de dureza: duro, medio y blando.
La combinación de las dos técnicas, carboncillo y Del lápiz compuesto, proporciona excelentes resultados y en la obra.
Por otra parte, un dibujo hecho a carboncillo no puede borrar con las gomas convencionales. Para co¬rregir los posibles errores se utilizará un trapo blanco de algodón, miga de pan o gomas moldeables. Estas últimas sirven, además, para sacar toques de luz.
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Que apliquemos creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en las formas geométricas, con la técnica del claro-oscuro.
Que demostremos avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresándolas en su entorno cultural.
INDICADOR DE DESEMPEÑO: Creo obras plásticas tomando como base el dibujo artístico, con la figura humana, con formas geométricas, con la técnica del claro oscuro.
ACTIVIDADES DEL SABER HACER:
1. En tu cuaderno realiza la figura humana en caricaturas, bajando de la web imágenes a lápiz, utilizando la técnica del claro oscuro.
2. Practica con estas imágenes en tu cuaderno:
3. En hojas de papel Kimberly, dibujar artísticamente la figura humana en caricaturas.
LA EVALUACION:
Se realizara por procesos de acuerdo al grado de dificultad que presente el estudiante, en la realización de la obra de arte, cuyo producto final será su valoración cualitativa y cuantitativa.
CIERRE DE LA CLASE
- Aclaración de dudas
- Evaluación: Se propone una evaluación en pedagogía constructivista que atienda los siguientes criterios, de los saberes: ser, el saber y el saber hacer.
ACCIONES DE MEJORAMIENTO
Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística
- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.
- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
BIBLIOGRAFIA:
http://clasesseptimo.blogspot.com/2013/02/el-ritmo-en-el-dibujo.html
http://imageneso.blogspot.com/2009/06/ejercicios-sobre-la-textura.html
Actividades con texturas lineales | eHow en Español
www.ehowenespanol.com › Hobbies
EJERCICIOS SOBRE LA TEXTURA - imagenes.0
imageneso.blogspot.com/2009/06/ejercicios-sobre-la-textura.html
Adobe Illustrator * Dibujo con la herramienta Pluma, Lápiz o ...
helpx.adobe.com/es/illustrator/using/drawing-pen-pencil-or-flare.htm
10 trucos de dibujo! - Taringa!
www.taringa.net/post/info/4692695/10-trucos-de-dibujo.html
El dibujo artístico, técnicas y aplicaciones - Slideshare
es.slideshare.net/juancaranai/el-dibujo-artstico-tcnicas-y-aplicaciones
html.rincondelvago.com/dibujo.html
blog.educastur.es/luciaag/2008/04/.../representacion-de-la-figura-human...
EQUIPO ACADÉMICO-PEDAGÓGICO COLEGIOS ARQUIDIOCESANOS
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