INSTITUCION EDUCATIVA CHAMPAGNAT
SIBUNDOY
GUÍA TALLER–GRADO DÉCIMO
ÁREA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA
DIBUJO
DIBUJO
Año lectivo: 2016
DIBUJO (LA FIGURA HUMANA)
DIBUJO (LA FIGURA HUMANA)
http://www.viralistas.com/wp-content/uploads/2014/11/dibujos-3D13.jpg
EJES DEL AREA DE EDUCACION ARTISTICA (EL DIBUJO):
1. Sensibilizarse ante las manifestaciones artísticas.
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Argumenta la historia del dibujo artístico en un video, y resuelve una serie de preguntas, que responde a los propósitos del dibujo artístico.
DESEMPEÑO ALTO:
Experimenta la descripción de imágenes de la figura humana, que le ayuda a descubrir la fantasía del dibujo artístico.
DESEMPEÑO BASICO:
Describe la historia del dibujo artístico, en un ensayo donde nombra los propósitos del dibujo artístico.
2. Percibe en el conocimiento del dibujo artístico, diversas posibilidades de despertar su creatividad artística.
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Explica los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana, y realiza un resumen del concepto, tipologías, anatomía, dela figura humana; y en un ensayo argumenta el conocimiento del dibujo artístico.
DESEMPEÑO ALTO:
Usa los conocimientos básicos del dibujo artístico en la figura humana, para complementar las diversas posibilidades para despertar su creatividad artística.
DESEMPEÑO BASICO:
Describe los conceptos básicos del dibujo artístico en la figura humana, citando las proporciones de la figura humana.
3. Expresar y comunicar estéticamente.
Crea y dibuja en base a los elementos básicos, las diferentes posibilidades artísticas.
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Crea y dibuja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (la cabeza). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sanguina, en obras artísticas de gran calidad.
DESEMPEÑO ALTO:
Aplica e ilustra los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana. Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sanguina, en bocetos de la cabeza humana y sus proporciones.
DESEMPEÑO BASICO:
Identifica los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana. Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sanguina, dibuja la figura humana.
SABERES:
1. SABER SER:
PROPOSITO: Que coloquemos nuestro interés en el proceso de interpretación de imágenes geométricas, en la figura humana.
ACTIVIDAD DE MOTIVACIÓN 1.
Historia del dibujo:
https://www.youtube.com/watch?v=gdNr6mHT2hQ
ANALISIS DEL VIDEO
PREGUNTAS:
1. Argumento del video e ideas principales.
2. Contexto histórico: hechos y conceptos.
3. Interpretación: ¿cuál era el objetivo del video? ¿Qué impresión te cuso el video? ¿Crees que el video cumple con el objetivo?
ACTIVIDAD DE MOTIVACIÓN 2.
Mira las siguientes imágenes:
Menciono cada una de las formas geométricas que conforman las siguientes obras de arte:
Menciono cada una de las formas que conforman la obra ejemplo: Líneas Onduladas, Triángulos, Circunferencias, Arcos, Líneas, Rectángulos.
En tu cuaderno elabora creativamente un dibujo libre con los diferentes tipos de líneas.
https://www.google.com.co/search?q=imagenes+de+cubismo&biw=1360&bih=667&source=lnms&sa=X&ei=ksvnVJSlJ9G0sATF2IG4Cw&ved=0CAcQ_AUoAA&dp
DESCRIPCION DE LAS OBRAS DE ARTE:
Describe cada una de las obras de arte, y responde las siguientes preguntas:
• ¿Qué estado de ánimo te produce cada una de las obras de arte?
• Como sientes la obra: ¿interesante? ¿Divertida? ¿Deprimente? ¿Triste?
• ¿Te gustaría estar plasmado en algún lugar de la obra, dónde?
• Tal vez escuchas algún sonido, o sientes algún olor cuando vez la obra, podrías describirlos?
• ¿Cómo son los colores? ¿Fríos? ¿Cálidos?
• ¿Y las pinceladas cómo son? ¿Cortas? ¿Largas? ¿Punteadas? ¿Dramáticas? ¿Suaves?
• ¿Qué crees que haya pasado antes de que el pintor plasmara los colores en el lienzo?
• ¿Qué crees que va a pasar en la próxima secuencia?
• ¿Qué crees que pasa afuera del marco si quisieras continuar con la escena? ¿Atrás? ¿Encima? ¿Debajo? ¿A los lados?
• ¿Que nos quiere decir el artista con su obra?
• ¿Cómo sientes la obra en su totalidad?
• ¿Cuáles o cuáles son los detalles que te parecen son más importantes?
• ¿Qué detalle fue el que primero te llamó la atención?
• ¿Cómo sientes la obra, fría, cálida?
• ¿Cómo sientes el clima, llueve, hace viento, es calmado
• ¿Es de día o de noche?
• ¿Qué lugar del planeta o del universo se plasma en la obra?
• ¿Es un mundo fantástico, o una metáfora, o una realidad?
2. EL SABER:
PROPOSITO:
Que Identifiquemos y reconozcamos los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana.
Que tengamos claridad cognitiva sobre cada una de las habilidades, y eje temático.
CLARIDAD COGNITIVA:
¿Qué ES EL DIBUJO ARTISTCO?
El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que represente algún objeto real, una forma de expresión gráfica. El dibujo artístico es un lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información de toda índole: ideas, descripciones y sentimientos.
Se nombra:
• Dibujante: Aquel que tiene un propósito estético, el de transmitir una idea o sentimiento surgido de la subjetividad del autor.
• Dibujo: Es la representación gráfica de lo que se ve, percibe, recuerda o se imagina.
• Dibujo Lineal: Es la representación de algo ya sea real o imaginario con distintas técnicas para plasmarlo. La característica principal es que se realiza con trazos o un delineado, no tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado". El dibujo lineal podría ser muy sugerido o bien detallado, pero no posee efecto de volumen.
• Psicología del dibujo artístico: El artístico dibuja lo que no puede expresar con palabras: "tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue con práctica y dedicación.1
Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen dos grupos: aquellos que solo copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-mano para poder plasmar las imágenes que conciben. Este último grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.
Características del dibujo artístico:
Elementos considerados en el dibujo artístico.
"Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen dibujante", es un dicho muy conocido entre los artistas, esto es debido a que quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y procedimientos sino su entorno y cada elemento que hay en él, por eso hay que ser muy observador, sobre todo paciente, pues no todo dibujo sale a la primera. Entre los elementos que se debe dominar para ser un dibujante artístico están los siguientes.
.
Proceso en el dibujo artístico:
Apunte: es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar. Es útil cuando se dibujan si exteriores o figuras en movimiento.
Boceto: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen…
Encajado: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo.
Línea: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle.
Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.
Color: un dibujo puede llevar color, en especial si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica, etc.).
Correcciones: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores.
Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como cuadernos de campo.
Proporción: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que dará al objeto representado la armonía necesaria al relacionar todos los elementos. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocarlo frente a un espejo, de esta manera se descubrirá si la obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, más al colocarlo frente al espejo se descubren errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así como lo verá el espectador. Esto se corrige con la práctica constante y recordando que es muy importante la observación para que podamos relacionar todos los elementos del objeto a dibujar y lograr así una representación correcta. Otras formas de evaluar es colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja o colocar la hoja un poco más abajo para cambiar la perspectiva al mirarla.
TIPOLOGIAS DEL DIBUJO ARTISTICO:
Clasificación del dibujo
Según su concepción:
De acuerdo con su objeto, el dibujo se puede clasificar en:
• dibujo de concepción
• dibujo de definición
• dibujo de fabricación
• dibujo industrial
Estos determinan precisamente el orden cronológico para representar y transmitir a través de bosquejos, diagramas o esquemas la idea o proyecto que desea desarrollar y ejecutar su inventor o diseñador: plasmando en su orden la idea general; su espacio forma y dimensión; y por último su proceso y técnica de fabricación.
Según su objetivo
Dibujo artístico:
Dibujo artístico: Autorretrato deDurero a los 13 años. Dibujo deAlbrecht Dürer de 1484.
Dibujo arquitectónico de la abadía de San Galo (ca. 825), considerado el plano arquitectónico conservado más antiguo del mundo.
Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestra mente que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad. Los dibujos artísticos suelen ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas: un ejemplo son los retratos, o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como las caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los cómics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto.
Dibujo geométrico:
Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. El Dibujo geométrico constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e Ingeniería –bachilleres o peritos mercantiles– un rápido manejo y posterior dominio de la mano en el plano. Tal surge de sus figuras y dibujos, la enumeración y designación de los útiles y la explicación del empleo de lo estrictamente necesario; las características de la caligrafía técnica, sus grupos para realizar la práctica adecuada y los consejos para efectuar los ejercicios.
También se incluyen las principales figuras geométricas y se detalla el modo lógico de construirlas, enfoque éste que –no escapará al lector– es fruto de una tarea minuciosa, una metodología adquirida día a día, frente a los problemas que el ingeniero C. Virasoro recorre en su función de profesor. Como tal, induce, plantea e impulsa a que el estudiante amplíe la práctica de los trabajos, merced a la presentación de modelos básicos del dibujo.
Dibujo arquitectónico histórico: Planta y sección de la basílica de San Pedro, Roma.
Dibujo técnico:
El dibujo técnico es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado. Las aptitudes para esta clase de dibujo se aprenden, debido a que debe cumplir con determinadas normas.
Se subdivide en dibujo técnico especializado, según la necesidad o aplicación las más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.
Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas se denominan planos de conjunto, y los que representan un sólo elemento, planos de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación y/o ensamble, son llamados planos.
Dibujo geodésico:
Dibujo geodésico: mapa físico-político de la Tierra
Un mapa bidimensional del mundo, como si la tierra fuera plana, deben trazarse los meridianos(círculos concéntricos verticales) en forma de líneas rectas verticales (Europa estaría situada proporcionalmente mucho más alejada de América). En algunos mapas, los paralelos(círculos paralelos horizontales) se dibujan como líneas horizontales paralelas, y los meridianos son curvas que parten de los polos (situando Europa a una distancia proporcional de América).
¿QUE ES LA TECNICA DEL CLARO-OSCURO?
Claroscuro
La vocación de San Mateo (1599-1600), de Caravaggio, Capilla Contarelli, San Luis de los Franceses,Roma.
El claroscuro, palabra proveniente del italianochiaroscuro, es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos. Esta técnica permite crear mayores efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la gradación de tonos lumínicos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.
El término italiano claaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es empleado más específicamente para una técnica de grabado en xilografía, que por medio de planchas complementarias da colores a las imágenes, como si fuesen pintadas a la acuarela. El primer uso conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano del siglo XVI Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. Otros grabadores que trabajaron esta técnica fueron Antonio da Trento y Andrea Andreani. En los grabados de Da Carpi, el efecto del claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin embargo, las áreas oscuras no están tan acentuadas como llegarían a verse en la obra de los principales difusores del claroscuro, Caravaggio y Giovanni Baglione.
La técnica se impondría también entre los manieristas, siendo ejemplos de este uso la Última Cena de Tintoretto o su Retrato de dos hombres, que presagia las composiciones de Rembrandt. El pintor holandés ha sido uno de los más conspicuos practicantes del claroscuro, utilizando la luz en su composición para destacar sólo su objeto específico.
¿QUE ES LA TECNICA CON EL LAPIZ SANGUINA?
TÉCNICA SANGUINA
La sanguina es una técnica de dibujo, convertida como tal a finales del siglo XIV. Fue una de las técnicas preferidas de los maestros del Renacimiento, del Gran Siglo francés y de la época de las Fêtes Galantes.
En la antigüedad, esta técnica era conocida como la Sinope, ciudad turca de donde procedía la hematites, material con el que se obtiene. Consiste en una base de oxido de hierro convertido en hematites, se presenta en forma de polvo, placa o barra, es una variante del pastel. Sin embargo, lo que la diferencia de esta ultima es el origen de los pigmentos que le dan ese color característico.
La sanguina del S.XIX fue utilizada por numerosos dibujantes por la diversidad de sus matices. Sigue siendo el material ideal para resaltar las formas y expresiones de cualquier dibujo. Por ello, es muy frecuente utilizar la sanguina para retratos, esbozos de desnudos, vestimenta o paisajes.
También se puede conseguir con ella, el efecto de crear una imagen a color con el uso de la sanguina, el blanco y el negro, la cual se denomina dibujo "a tres couleurs", muy utilizada sobre todo, para retratos.
Esta forma de dibujo se presenta bajo las tonalidades del rojo, del cual proviene su nombre, ya que recuerda a la sangre. Sus variables va del escarlata al carmesí, del rojo ácido al castaño o a un tono cercano al rojo ciruela. El resultado es un color entre marron y rojo terracota.
VENTAJAS:
- Una de sus principales ventajas es la calidez, delicadeza y suavidad que aportan al dibujo. Por esta razón, es usada sobre todo para desnudos.
- Su encanto proviene de la facilidad que nos da para aprovechar la textura del papel. La barra de sanguina se suele utilizar predominantemente plana, usando toda la superficie.
- Presenta resultados diferentes, según si se trabaja con más o menos presión sobre el papel.
- Al tratarse de barra, tiene ventajas adquiridas del lápiz y, a su vez, del carboncillo. Se aprovechan más y se consiguen unos trazos muy finos o anchos, dependiendo si usamos las aristas o la totalidad de la barra respectivamente.
- Pero la sanguina también la podemos encontrar en forma de lápiz, con el que podemos conseguir una mayor precisión en nuestro dibujo.
INCONVENIENTES
- Uno de sus pocos inconvenientes es que no puede ser usada a lápiz en papel muy rugoso ya que da lugar a un trazo no muy continuo.
¿Qué ES LA FIGURA HUMANA?
FIGURA HUMANA MASCULINA Y FEMENINA
LA FIGURA HUMANA
1. El estudio de las proporciones humanas se remonta a mas de unos 5000
años atrás, con la cultura egipcia. Donde encontraron el canon
más antiguo del estudio de las proporciones humanas.
Desde esos tiempos, el estudio de las proporciones fue evolucionando y perfeccionando.
Existen tres cánones para determinar las proporciones de la figura humana:
-Un canon de siete cabezas y media = figura común
-Un canon de ocho cabezas = figura ideal
-Un canon de ocho cabezas y media a nueve = figura heroica
Los griegos consideraban que la figura humana era un símbolo de la perfecta proporción como manifestación de la naturaleza; gracias al profundo estudio de las proporciones, pudieron imitar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron una expresividad y realismo perfectos en sus admirables obras. La belleza griega encierra en su interior una exaltación del desnudo como algo natural que nos devuelve al tiempo en que hombre y Naturaleza no se hallaban en contradicción. Los desnudos griegos son nobles, armonizan lo natural con lo más sublime, lo espiritual. los hombres griegos debían estar hechos a imagen y semejanza del estado, fuertes y bien proporcionados.
El canon es el término que se aplica a partir del arte clásico a conjunto de proporciones ideales para la representación perfecta del ser humano. Es un código orientativo que, mediante fórmulas matemáticas, establece las proporciones ideales del cuerpo humano, dividiéndolo en sectores que reciben el nombre de módulos.
La medida estándar del cuerpo humano es de ocho cabezas de altura. Es decir que para comenzar a dibujar un personaje partiremos por la cabeza, la que tomaremos como referencia para el tamaño del cuerpo.
• La cabeza es una octava parte del cuerpo, y por lo tanto un módulo. Dicho módulo se mide desde la parte alta de la cabeza hasta el fin del mentón, sin incluir el largo del cuello.
• La anchura de las sienes, determina la anchura del hombro desde la base del cuello hasta la articulación.
• El codo corresponde con la cintura, la muñeca con el pubis y la mano con la mitad del muslo.
• La longitud del muslo es igual a la de las piernas.
Tanto en el hombre como en la mujer el brazo llega más o menos hasta la cintura. El tamaño del antebrazo es igual al del brazo. La muñeca debe llegar más o menos hasta el pubis.
Observa que el hombre tiene la espalda mucho mas ancha que la mujer. La mujer en cambio tiene las caderas más anchas que las del hombre.
Es obvio que en el hombre se resaltan más los músculos que en la mujer.
Como dije, ésta es una medida estándar, lo que quiere decir que no todos nuestros personajes deben medir necesariamente ocho cabezas. El tamaño cambia de acuerdo a la edad o el sexo del personaje. Pero siempre debemos recordar que, sin importar la altura, el centro del cuerpo humano se encuentra a la altura del pubis.
LOS MUSCULOS
También es bueno que conozcamos los músculos para poder dibujar bien la figura humana. En estos dibujos podemos ver (más o menos) los principales músculos frontales y dorsales.
Ya conocemos las proporciones del cuerpo humano y algo de los músculos. Pero, ¿cómo empezamos a dibujar nuestro personaje en distintas posiciones?.
Antes que nada debes imaginar en qué posición se encontrará tu personaje. Una vez que has decidido la posición, dibuja un esquema del personaje como se ve en los siguientes dibujos (no te vayas a dibujar todos los huesos del cuerpo). Esto es muy importante si aún no tienes mucha experiencia con las proporciones del cuerpo. ¿Por qué? Imagínate que comienzas a dibujar tu personaje, lo terminaste y hasta lo entintaste. Luego, cuando observas bien tu obra de arte te das cuenta de que un brazo te salió muy corto. ¿Qué haces? Para evitarte esta clase de problemas es que debes hacer el esquema. Dibújalo en la posición que quieras, revisa bien que todo esté en orden, corrige todos los errores de proporción y una vez que estés cien por ciento contento con tu esqueleto recién puedes empezar a darle volumen. Ni se te ocurra empezar a dibujar a tu personaje vestido. Los detalles como los ojos, el cabello y la ropa se hacen después.
Observa y practica.
COMO REALIZAR LA FIGURA HUMANA CON FIGURAS GEOMETRICAS
Empecemos con la construcción de la estructura. La estructura humana se puede
simplificar empleando formas geométricas.
Veamos:
La figura humana se divide en tres partes de gran importancia: la cabeza, el
tronco y las extremidades.
Voy a explicar un poco cada una de estas partes
Cabeza:
-Esta dividida en dos partes, el cráneo y el rostro. Compone 1/8 parte del largo
vertical de la figura humana (ver imagen anterior). Puede ser representada por
un ovalo.
Tronco:
- Comprende desde los hombros hasta el pubis. Ocupa casi 3/8 del largo de
la figura humana. Podemos facilitar su dibujo representándolo con un triangulo
(ver imagen anterior).
Extremidades:
- Las extremidades se dividen en 2, las superiores (brazos) y las
inferiores (piernas), se pueden representar fácilmente empleando óvalos.
Practica: Para poner en práctica lo anterior te recomiendo seguir estos pasos:
1) Traza el eje central de la figura.
2) Dibujar con líneas auxiliares el tronco y las extremidades.
3) Luego realizar la figura por medio de triángulos, círculos
y óvalos.
4) Pulir la figura.
Practiquen hacer estructuras de la figura en diferentes posiciones!. También es recomendable estudiar un poco de anatomía para guiarse mejor.
PROPORCIONES EN LOS NIÑOS
Los niños guardan otras proporciones:
Como el niño es una persona en constante y rápida evolución es difícil concretar un canon, aunque podemos establecer uno aproximado: cinco cabezas para niños de dos años, de seis cabezas entre seis y doce y siete entre los doce y los quince, aproximadamente.
Pide a un amigo o familiar que pose para ti e intenta dibujar su postura. Traza un sencillo esquema donde aparezcan las líneas principales
Aquí te dejo algunos ejemplos para que practiques.
Puedes comenzar como te dije anteriormente por medio de un esquema con figuras geométricas.
Por medio de la practica constante se pueden lograr buenos dibujos, desde ahora te aconsejo que cargues un block y aproveches los espacios libres y comienza a realizar bocetos sencillos.
Puedes pedirles a tus amigos que posen o captar a lagunas personas desprevenidas y hacer los bocetos, esta es una tarea que te queda pendiente para una nota.
LA FIGURA HUMANA EN CARICATURAS:
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana. Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sanguina.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana. Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sanguina.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
INSUMO O NOMBRE DEL TALLER: Que apliquemos creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana. Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sanguina, en la elaboración de mi propia obra de arte. Selecciono una de las obras y la realizo en mi cuaderno de dibujo.
Actividad: La figura humana.
Opción 1: Dibujo en tu cuaderno los esquemas de la figura humana y sus proporciones, con la técnica del claro-oscuro con el lápiz sanguina.
Opción 2: En el dibujo del tronco humano, crea una sensación de profundidad con líneas. • Traza las líneas más delgadas y suaves con el lápiz sanguina. • Con un lápiz sanguina realiza un nuevo trazado el primero con líneas más fuertes y de diferente grosor, sin evitar las superposiciones o cruces de líneas. • Con el lápiz sepia y protegiendo las zonas ya trabajadas con un papel blanco para no ensuciarlas con el roce de la mano, traza las líneas más fuertes dando unidad y armonía al conjunto, con la técnica del claro-oscuro.
CIERRE DE LA CLASE
- Aclaración de dudas
- Evaluación: Se propone una evaluación en pedagogía constructivista que atienda los siguientes criterios: De los saberes: ser, hacer y saber hacer.
ACCIONES DE MEJORAMIENTO
Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística
- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.
- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
- Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en los estudiantes con desempeño bajo.
- Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias, emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los demás.
BIBLIOGRAFIA:
http://clasesseptimo.blogspot.com/2013/02/el-ritmo-en-el-dibujo.html
No hay comentarios:
Publicar un comentario