INSTITUCION EDUCATIVA CHAMPAGNAT
SIBUNDOY
GUÍATALLER–GRADO NOVENO
ÁREA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA
DIBUJO
DIBUJO
Año lectivo: 2016
DIBUJO (LA FIGURA HUMANA - EL TRONCO Y LAS EXTREMIDADES SUPERIORES)
https://www.google.com.co/search?q=mosaicos+en+artes&espv=2&biw=1280&bih=699&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ei=VrqSVa7SFoq-ggSFx5DYA
TÉCNICA SEPIA
Esta técnica es económica y comienza a principios del S.XIX. El dibujo a sepia, sin embargo se dio a la luz por propietarios privados.
Se denomina sepia al color rojizo amarronado, concretamente rojo anaranjado oscuro, de tonalidad pardusca, producido por la tinta de la sepia o jibia, un cefalópodo marino similar al calamar, que se utiliza en las acuarelas y los dibujos de tinta. En fotografía, algunos revelados producen tonos sepia para dar una sensación de fotografía antigua.
Históricamente, para la obtención de los pigmentos sepia se ha preferido la sepia común, que se pescaba en el mar Adriático, cuya tinta se usó desde la antigüedad romana.
Se caracterizan por la elegancia que muestran los dibujos bajo esta técnica, se utiliza para dar un efecto añejo sobre nuestro trabajo.
Uno de los inconvenientes de la sepia es su delicadeza, ya que amarillean bajo los efectos de la luz y se difuminan los contornos a lápiz, lo cual provoca que se exhiban de forma muy limitada.
¿Qué ES LA FIGURA HUMANA?
Figura humana en el arte a través de la historia
13. Desde un principio la figura humana ha sido tema y punto de representación, y por ello ha tenido un cambio a través del tiempo. Este no ha sido de forma drástica, sino que ha evolucionado a lo largo de la historia. En este trabajo se dará a conocer de una mejor marera la evolución de esta figura humana en las siguientes etapas: Prehistoria, Egipto, Grecia, Edad Media, Renacimiento, Barroco, Romanticismo y Vanguardismo. Haciendo una profundización en el Barroco.
14. Los hombres pintaban con las manos en las cavernas. Para ello utilizaban sangre de animales o jugo de frutos. Representaban escenas de cacería, y a veces dejaban representadas sus manos. La figura humana pasa a ser el centro de las distintas composiciones pictóricas. Estas eran de un tamaño reducido en comparación a las demás obras. Representan escenas de un extraordinario valor narrativo, donde se puede observar un intenso dinamismo vital, donde se exageran incluso los rasgos de movimiento. Generalmente se representaban luchas, danzas y escenas relacionadas con la agricultura y ganadería.
15. En el arte egipcio la figura humana estaba regulada por unas estrictas proporciones donde se tienen a la mano y al brazo como módulo de las demás medidas. Los egipcios aplicaban la Ley de Torsión o Frontalidad, es decir cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. La figura debía tener todas las partes a la vista (debía ser completa) ya que al ser representada adquiría un carácter simbólico y mágico.
16. Los griegos pintaban El arte fue figuras imperfectas pero mayoritariamente que aun así mostraban esculturas. Las pinturas se expresión y vida. pueden observar en los La figura humana pintada utensilios. se caracterizaba por ser simple y estilizada. En cambio las esculturas eran sumamente detalladas logrando alcanzar la perfección del ser humano.
17. El arte de la edad media era mayoritariamente de carácter religioso. Las características de las obras en esta época se pueden apreciar en vírgenes, ángeles, santos, reyes, profetas, etc., que eran composiciones magnificas y claras con pliegues ligeramente angulosos en los ropajes .En el siglo XV la figura humana se hace más naturalista y los rostros se convierten en auténticos retratos.
18. En el Renacimiento la belleza es la armonía de partes, pero también es brillo, se gozaba de la objetividad y de la naturaleza espiritual, esto quiere decir que "la hermosura de los cuerpos depende de la imagen espiritual que transparenta la apariencia de los mismos“. Se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revelaba los grandes conflictos del alma. La figura fue pintada o esculpida con tanta perfección que difícilmente se puede ver un desperfecto.
19. El estilo Barroco ha sido uno de los más arraigados en el arte occidental. Posee dos núcleos distintos: el norte dominado por la reforma protestante y el sur por la contrarreforma católica. Transcurrió entre los siglos XVII al XVIII. La monarquía utilizó la magnificencia de este arte para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o en la sociedad.
20. En las representaciones se buscaba capturar el momento de mayor dramatismo. Dentro de la figura humana barroquista el artista muestra un gran sentido de movimiento, energía y tensión. Una intensa espiritualidad se mostraba con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
21. Las principales características eran: Movimiento: las figuras eran representadas en acciones violentas o de esfuerzo. En la ropa se apreciaba la agitación, mayormente en los pliegues de estas. Teatralidad: se muestra todo de forma exagerada y con actitudes elocuentes lo que hacen del barroco una representación dramática. Claroscuro: Se busca que los personajes se vean envueltos en una atmosfera de luminosidad. Patetismo: se muestras estados de ánimo como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., donde se pueden percibir en los rostros de la manera más realista.
22. Surge en Francia a principios de siglo XIX. En el romanticismo el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas. Existía una libertad de expresión. Era importante lo que el artista quería expresar, no como hacia la obra. La figura en el estilo del Romanticismo contiene líneas suaves y onduladas haciendo así la pintura un poco con más sentimiento. El color es tenue y matizado, la composición es más dinámica. La figura humana en este movimiento es transmitida en el pasado medieval, en la historia nacional y en culturas del lado Oriente. Se presentaba entre lo real y lo ideal.
23. Los movimientos de vanguardias de fines del siglo XIX y principios del XX, llevan nombres como cubismo, dadaísmo, surrealismo, pop art, etc. Cubismo: la figura humana se representa con figuras muy geométricas. Dadaísmo: los artistas utilizan figuras amorfas. La figura humana es totalmente abstracta y queda a la imaginación de quien ve la obra. Surrealismo: La figura humana puede llegar a ser un elemento de atención en las obras pero con cierta simbología. se caracteriza por crear cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Pop art: iniciado en el continente americano, usaba la figura humana como personajes populares para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad.
24. Según podemos ver, la figura humana fue evolucionando tratando de alcanzar la perfección, iniciando desde las formas y figuras más simples en la prehistoria. Luego no importó tanto la belleza sino lo realista y detallista que fuera la obra.
¿QUE ES EL CANON DEL TRONCO Y LAS EXTREMIDADES SUPERIORES?
Tronco (anatomía)
Tronco (anatomía)
Dibujo del tronco de una persona de sexo masculino .
En anatomía humana el tronco o torso es una de las partes fundamentales del cuerpo junto a la cabeza y miembros. En su parte superior se encuentra la cabeza, y de sus lados arrancan los miembros superiores o torácicos arriba, y los miembros inferiores o pelvianos abajo.
Tanto desde un punto de vista topográfico como funcional, el esqueleto del tronco se organiza en columna vertebral y tórax:
• Columna vertebral
Eje fundamental del cuerpo, central y posterior.
• Tórax
Caja ósea elástica que contiene los pulmones y corazón, y en cuya parte superior se fijan los miembros superiores otorácicos mediante la cintura escapular, primer segmento del miembro correspondiente. Es decir, la cintura escapular no pertenece al tórax.
El tórax lo forman:
1. Porción dorsal de la columna vertebral, por detrás.
2. El esternón, delante y arriba, en el centro.
3. Las costillas, por detrás, delante y a los lados.
El tronco aloja los órganos del aparato cardiopulmonar (el corazón, los pulmones y los grandes vasos), lo mismo que los órganos responsables de la digestión (el estómago, y el intestino) y sus glándulas anejas (el hígado y el páncreas). Asimismo contiene el aparato urinario (los riñones y la vejiga), y el aparato reproductor femenino (el útero, los ovarios, y las trompas de Falopio).
EL TORSO HUMANO:
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (la cabeza). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz 6b.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
¿Es la figura humana fuente de inspiración en las creaciones de obras artísticas?
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Dibuja y crea los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano) .Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
DESEMPEÑO ALTO:
Dibuja y bosqueja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (El tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
DESEMPEÑO BASICO:
Dibuja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (El tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
INSUMO O NOMBRE DEL TALLER: Que apliquemos creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia., en la elaboración de mi propia obra de arte. Selecciono una de las obras y la realizo en mi cuaderno de dibujo.
Actividad: La figura humana (el tronco humano).
Opción 1: Dibujo en tu cuaderno los esquemas de la cabeza y sus proporciones, con la técnica del claro-oscuro con el lápiz sepia.
Opción 2: En el dibujo del tronco humano, crea una sensación de profundidad con líneas. • Traza las líneas más delgadas y suaves con el lápiz sepia. • Con un lápiz sepia realiza un nuevo trazado sobre el primero con líneas más fuertes y de diferente grosor, sin evitar las superposiciones o cruces de líneas. • Con el lápiz sepia y protegiendo las zonas ya trabajadas con un papel blanco para no ensuciarlas con el roce de la mano, traza las líneas más fuertes dando unidad y armonía al conjunto, con la técnica del claro-oscuro.
CIERRE DE LA CLASE
- Aclaración de dudas
- Evaluación: Se propone una evaluación en pedagogía constructivista que atienda los siguientes criterios: De los saberes: ser, hacer y saber hacer.
ACCIONES DE MEJORAMIENTO
Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística
- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.
- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
- Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en los estudiantes con desempeño bajo.
- Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias, emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los demás.
BIBLIOGRAFIA:
http://clasesseptimo.blogspot.com/2013/02/el-ritmo-en-el-dibujo.html
¿QUE ES LA TECNICA CON EL LAPIZ SEPIA?
TÉCNICA SEPIA
Esta técnica es económica y comienza a principios del S.XIX. El dibujo a sepia, sin embargo se dio a la luz por propietarios privados.
Se denomina sepia al color rojizo amarronado, concretamente rojo anaranjado oscuro, de tonalidad pardusca, producido por la tinta de la sepia o jibia, un cefalópodo marino similar al calamar, que se utiliza en las acuarelas y los dibujos de tinta. En fotografía, algunos revelados producen tonos sepia para dar una sensación de fotografía antigua.
Históricamente, para la obtención de los pigmentos sepia se ha preferido la sepia común, que se pescaba en el mar Adriático, cuya tinta se usó desde la antigüedad romana.
Se caracterizan por la elegancia que muestran los dibujos bajo esta técnica, se utiliza para dar un efecto añejo sobre nuestro trabajo.
Uno de los inconvenientes de la sepia es su delicadeza, ya que amarillean bajo los efectos de la luz y se difuminan los contornos a lápiz, lo cual provoca que se exhiban de forma muy limitada.
¿Qué ES LA FIGURA HUMANA?
Figura humana en el arte a través de la historia
13. Desde un principio la figura humana ha sido tema y punto de representación, y por ello ha tenido un cambio a través del tiempo. Este no ha sido de forma drástica, sino que ha evolucionado a lo largo de la historia. En este trabajo se dará a conocer de una mejor marera la evolución de esta figura humana en las siguientes etapas: Prehistoria, Egipto, Grecia, Edad Media, Renacimiento, Barroco, Romanticismo y Vanguardismo. Haciendo una profundización en el Barroco.
14. Los hombres pintaban con las manos en las cavernas. Para ello utilizaban sangre de animales o jugo de frutos. Representaban escenas de cacería, y a veces dejaban representadas sus manos. La figura humana pasa a ser el centro de las distintas composiciones pictóricas. Estas eran de un tamaño reducido en comparación a las demás obras. Representan escenas de un extraordinario valor narrativo, donde se puede observar un intenso dinamismo vital, donde se exageran incluso los rasgos de movimiento. Generalmente se representaban luchas, danzas y escenas relacionadas con la agricultura y ganadería.
15. En el arte egipcio la figura humana estaba regulada por unas estrictas proporciones donde se tienen a la mano y al brazo como módulo de las demás medidas. Los egipcios aplicaban la Ley de Torsión o Frontalidad, es decir cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. La figura debía tener todas las partes a la vista (debía ser completa) ya que al ser representada adquiría un carácter simbólico y mágico.
16. Los griegos pintaban El arte fue figuras imperfectas pero mayoritariamente que aun así mostraban esculturas. Las pinturas se expresión y vida. pueden observar en los La figura humana pintada utensilios. se caracterizaba por ser simple y estilizada. En cambio las esculturas eran sumamente detalladas logrando alcanzar la perfección del ser humano.
17. El arte de la edad media era mayoritariamente de carácter religioso. Las características de las obras en esta época se pueden apreciar en vírgenes, ángeles, santos, reyes, profetas, etc., que eran composiciones magnificas y claras con pliegues ligeramente angulosos en los ropajes .En el siglo XV la figura humana se hace más naturalista y los rostros se convierten en auténticos retratos.
18. En el Renacimiento la belleza es la armonía de partes, pero también es brillo, se gozaba de la objetividad y de la naturaleza espiritual, esto quiere decir que "la hermosura de los cuerpos depende de la imagen espiritual que transparenta la apariencia de los mismos“. Se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revelaba los grandes conflictos del alma. La figura fue pintada o esculpida con tanta perfección que difícilmente se puede ver un desperfecto.
19. El estilo Barroco ha sido uno de los más arraigados en el arte occidental. Posee dos núcleos distintos: el norte dominado por la reforma protestante y el sur por la contrarreforma católica. Transcurrió entre los siglos XVII al XVIII. La monarquía utilizó la magnificencia de este arte para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o en la sociedad.
20. En las representaciones se buscaba capturar el momento de mayor dramatismo. Dentro de la figura humana barroquista el artista muestra un gran sentido de movimiento, energía y tensión. Una intensa espiritualidad se mostraba con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
21. Las principales características eran: Movimiento: las figuras eran representadas en acciones violentas o de esfuerzo. En la ropa se apreciaba la agitación, mayormente en los pliegues de estas. Teatralidad: se muestra todo de forma exagerada y con actitudes elocuentes lo que hacen del barroco una representación dramática. Claroscuro: Se busca que los personajes se vean envueltos en una atmosfera de luminosidad. Patetismo: se muestras estados de ánimo como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., donde se pueden percibir en los rostros de la manera más realista.
22. Surge en Francia a principios de siglo XIX. En el romanticismo el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas. Existía una libertad de expresión. Era importante lo que el artista quería expresar, no como hacia la obra. La figura en el estilo del Romanticismo contiene líneas suaves y onduladas haciendo así la pintura un poco con más sentimiento. El color es tenue y matizado, la composición es más dinámica. La figura humana en este movimiento es transmitida en el pasado medieval, en la historia nacional y en culturas del lado Oriente. Se presentaba entre lo real y lo ideal.
23. Los movimientos de vanguardias de fines del siglo XIX y principios del XX, llevan nombres como cubismo, dadaísmo, surrealismo, pop art, etc. Cubismo: la figura humana se representa con figuras muy geométricas. Dadaísmo: los artistas utilizan figuras amorfas. La figura humana es totalmente abstracta y queda a la imaginación de quien ve la obra. Surrealismo: La figura humana puede llegar a ser un elemento de atención en las obras pero con cierta simbología. se caracteriza por crear cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Pop art: iniciado en el continente americano, usaba la figura humana como personajes populares para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad.
24. Según podemos ver, la figura humana fue evolucionando tratando de alcanzar la perfección, iniciando desde las formas y figuras más simples en la prehistoria. Luego no importó tanto la belleza sino lo realista y detallista que fuera la obra.
¿QUE ES EL CANON DEL TRONCO Y LAS EXTREMIDADES SUPERIORES?
Tronco (anatomía)
Tronco (anatomía)
Dibujo del tronco de una persona de sexo masculino .
En anatomía humana el tronco o torso es una de las partes fundamentales del cuerpo junto a la cabeza y miembros. En su parte superior se encuentra la cabeza, y de sus lados arrancan los miembros superiores o torácicos arriba, y los miembros inferiores o pelvianos abajo.
Tanto desde un punto de vista topográfico como funcional, el esqueleto del tronco se organiza en columna vertebral y tórax:
• Columna vertebral
Eje fundamental del cuerpo, central y posterior.
• Tórax
Caja ósea elástica que contiene los pulmones y corazón, y en cuya parte superior se fijan los miembros superiores otorácicos mediante la cintura escapular, primer segmento del miembro correspondiente. Es decir, la cintura escapular no pertenece al tórax.
El tórax lo forman:
1. Porción dorsal de la columna vertebral, por detrás.
2. El esternón, delante y arriba, en el centro.
3. Las costillas, por detrás, delante y a los lados.
El tronco aloja los órganos del aparato cardiopulmonar (el corazón, los pulmones y los grandes vasos), lo mismo que los órganos responsables de la digestión (el estómago, y el intestino) y sus glándulas anejas (el hígado y el páncreas). Asimismo contiene el aparato urinario (los riñones y la vejiga), y el aparato reproductor femenino (el útero, los ovarios, y las trompas de Falopio).
EL TORSO HUMANO:
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (la cabeza). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz 6b.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
¿Es la figura humana fuente de inspiración en las creaciones de obras artísticas?
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Dibuja y crea los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano) .Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
DESEMPEÑO ALTO:
Dibuja y bosqueja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (El tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
DESEMPEÑO BASICO:
Dibuja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (El tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
INSUMO O NOMBRE DEL TALLER: Que apliquemos creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia., en la elaboración de mi propia obra de arte. Selecciono una de las obras y la realizo en mi cuaderno de dibujo.
Actividad: La figura humana (el tronco humano).
Opción 1: Dibujo en tu cuaderno los esquemas de la cabeza y sus proporciones, con la técnica del claro-oscuro con el lápiz sepia.
Opción 2: En el dibujo del tronco humano, crea una sensación de profundidad con líneas. • Traza las líneas más delgadas y suaves con el lápiz sepia. • Con un lápiz sepia realiza un nuevo trazado sobre el primero con líneas más fuertes y de diferente grosor, sin evitar las superposiciones o cruces de líneas. • Con el lápiz sepia y protegiendo las zonas ya trabajadas con un papel blanco para no ensuciarlas con el roce de la mano, traza las líneas más fuertes dando unidad y armonía al conjunto, con la técnica del claro-oscuro.
CIERRE DE LA CLASE
- Aclaración de dudas
- Evaluación: Se propone una evaluación en pedagogía constructivista que atienda los siguientes criterios: De los saberes: ser, hacer y saber hacer.
ACCIONES DE MEJORAMIENTO
Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística
- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.
- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
- Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en los estudiantes con desempeño bajo.
- Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias, emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los demás.
BIBLIOGRAFIA:
http://clasesseptimo.blogspot.com/2013/02/el-ritmo-en-el-dibujo.html
DIBUJO (LA FIGURA HUMANA - EL TRONCO Y LAS EXTREMIDADES SUPERIORES)
https://www.google.com.co/search?q=mosaicos+en+artes&espv=2&biw=1280&bih=699&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ei=VrqSVa7SFoq-ggSFx5DYA
EJES DEL AREA DE EDUCACION ARTISTICA (EL DIBUJO):
1. Sensibilizarse ante las manifestaciones artísticas.
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Argumenta la historia del dibujo artístico en un video, y resuelve una serie de preguntas, que responde a los propósitos del dibujo artístico.
DESEMPEÑO ALTO:
Experimenta la descripción de imágenes de la figura humana, que le ayuda a descubrir la fantasía del dibujo artístico.
DESEMPEÑO BASICO:
Describe la historia del dibujo artístico, en un ensayo donde nombra los propósitos del dibujo artístico.
2. Percibe en el conocimiento del dibujo artístico, diversas posibilidades de despertar su creatividad artística.
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Explica los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco), y realiza un resumen del concepto, tipologías, anatomía, dela figura humana; y en un ensayo argumenta el conocimiento del dibujo artístico.
DESEMPEÑO ALTO:
Usa los conocimientos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco), para complementar las diversas posibilidades para despertar su creatividad artística.
DESEMPEÑO BASICO:
Describe los conceptos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco), citando las proporciones de la figura humana.
3. Expresar y comunicar estéticamente.
Crea y dibuja en base a los elementos básicos, las diferentes posibilidades artísticas.
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Crea y dibuja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz 6b, en obras artísticas de gran calidad.
DESEMPEÑO ALTO:
Aplica e ilustra los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz 6b, en bocetos de la cabeza humana y sus proporciones.
DESEMPEÑO BASICO:
Identifica los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz 6b, dibuja la figura humana (el tronco).
SABERES:
1. SABER SER:
PROPOSITO: Que coloquemos nuestro interés en el proceso de interpretación de imágenes geométricas, en la figura humana (El tronco y las extremidades superiores).
ACTIVIDAD DE MOTIVACIÓN 1.
Historia del dibujo:
Cómo dibujar una figura de la imaginación y de memoria - Parte 1- Arte Divierte.
https://www.youtube.com/watch?v=W5CmKKPG01E
ANALISIS DEL VIDEO
PREGUNTAS:
1. Argumento del video e ideas principales.
2.Interpretación: ¿cuál era el objetivo del video? ¿Qué impresión te causo el video? ¿Crees que el video cumple con el objetivo?
ACTIVIDAD DE MOTIVACIÓN 2.
Mira las siguientes imágenes:
Menciono cada una de las formas geométricas que conforman las siguientes obras de arte:
Menciono cada una de las formas que conforman la obra ejemplo: Líneas Onduladas, Triángulos, Circunferencias, Arcos, Líneas, Rectángulos.
En tu cuaderno elabora creativamente un dibujo libre con los diferentes tipos de líneas.
https://www.google.com.co/search?q=imagenes+de+cubismo&biw=1360&bih=667&source=lnms&sa=X&ei=ksvnVJSlJ9G0sATF2IG4Cw&ved=0CAcQ_AUoAA&dp
DESCRIPCION DE LAS OBRAS DE ARTE:
Describe cada una de las obras de arte, y responde las siguientes preguntas:
• ¿Qué estado de ánimo te produce cada una de las obras de arte?
• Como sientes la obra: ¿interesante? ¿Divertida? ¿Deprimente? ¿Triste?
• ¿Te gustaría estar plasmado en algún lugar de la obra, dónde?
• Tal vez escuchas algún sonido, o sientes algún olor cuando vez la obra, podrías describirlos?
• ¿Cómo son los colores? ¿Fríos? ¿Cálidos?
• ¿Y las pinceladas cómo son? ¿Cortas? ¿Largas? ¿Punteadas? ¿Dramáticas? ¿Suaves?
• ¿Qué crees que haya pasado antes de que el pintor plasmara los colores en el lienzo?
• ¿Qué crees que va a pasar en la próxima secuencia?
• ¿Qué crees que pasa afuera del marco si quisieras continuar con la escena? ¿Atrás? ¿Encima? ¿Debajo? ¿A los lados?
• ¿Que nos quiere decir el artista con su obra?
• ¿Cómo sientes la obra en su totalidad?
• ¿Cuáles o cuáles son los detalles que te parecen son más importantes?
• ¿Qué detalle fue el que primero te llamó la atención?
• ¿Cómo sientes la obra, fría, cálida?
• ¿Cómo sientes el clima, llueve, hace viento, es calmado
• ¿Es de día o de noche?
• ¿Qué lugar del planeta o del universo se plasma en la obra?
• ¿Es un mundo fantástico, o una metáfora, o una realidad?
2. EL SABER:
PROPOSITO:
Que Identifiquemos y reconozcamos los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (la cabeza) artísticamente y en caricatura.
Que tengamos claridad cognitiva sobre cada una de las habilidades, y eje temático.
CLARIDAD COGNITIVA:
¿Qué ES EL DIBUJO ARTISTCO?
El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que represente algún objeto real, una forma de expresión gráfica. El dibujo artístico es un lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información de toda índole: ideas, descripciones y sentimientos.
Se nombra:
• Dibujante: Aquel que tiene un propósito estético, el de transmitir una idea o sentimiento surgido de la subjetividad del autor.
• Dibujo: Es la representación gráfica de lo que se ve, percibe, recuerda o se imagina.
• Dibujo Lineal: Es la representación de algo ya sea real o imaginario con distintas técnicas para plasmarlo. La característica principal es que se realiza con trazos o un delineado, no tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado". El dibujo lineal podría ser muy sugerido o bien detallado, pero no posee efecto de volumen.
• Psicología del dibujo artístico: El artístico dibuja lo que no puede expresar con palabras: "tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue con práctica y dedicación.1
Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen dos grupos: aquellos que solo copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-mano para poder plasmar las imágenes que conciben. Este último grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.
Características del dibujo artístico:
Elementos considerados en el dibujo artístico.
"Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen dibujante", es un dicho muy conocido entre los artistas, esto es debido a que quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y procedimientos sino su entorno y cada elemento que hay en él, por eso hay que ser muy observador, sobre todo paciente, pues no todo dibujo sale a la primera. Entre los elementos que se debe dominar para ser un dibujante artístico están los siguientes.
.
Proceso en el dibujo artístico:
Apunte: es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar. Es útil cuando se dibujan si exteriores o figuras en movimiento.
Boceto: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen…
Encajado: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo.
Línea: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle.
Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.
Color: un dibujo puede llevar color, en especial si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica, etc.).
Correcciones: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores.
Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como cuadernos de campo.
Proporción: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que dará al objeto representado la armonía necesaria al relacionar todos los elementos. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocarlo frente a un espejo, de esta manera se descubrirá si la obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, más al colocarlo frente al espejo se descubren errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así como lo verá el espectador. Esto se corrige con la práctica constante y recordando que es muy importante la observación para que podamos relacionar todos los elementos del objeto a dibujar y lograr así una representación correcta. Otras formas de evaluar es colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja o colocar la hoja un poco más abajo para cambiar la perspectiva al mirarla.
TIPOLOGIAS DEL DIBUJO ARTISTICO:
Clasificación del dibujo
Según su concepción:
De acuerdo con su objeto, el dibujo se puede clasificar en:
• dibujo de concepción
• dibujo de definición
• dibujo de fabricación
• dibujo industrial
Estos determinan precisamente el orden cronológico para representar y transmitir a través de bosquejos, diagramas o esquemas la idea o proyecto que desea desarrollar y ejecutar su inventor o diseñador: plasmando en su orden la idea general; su espacio forma y dimensión; y por último su proceso y técnica de fabricación.
Según su objetivo
Dibujo artístico:
Dibujo artístico: Autorretrato deDurero a los 13 años. Dibujo deAlbrecht Dürer de 1484.
Dibujo arquitectónico de la abadía de San Galo (ca. 825), considerado el plano arquitectónico conservado más antiguo del mundo.
Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestra mente que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad. Los dibujos artísticos suelen ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas: un ejemplo son los retratos, o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como las caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los cómics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto.
Dibujo geométrico:
Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. El Dibujo geométrico constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e Ingeniería –bachilleres o peritos mercantiles– un rápido manejo y posterior dominio de la mano en el plano. Tal surge de sus figuras y dibujos, la enumeración y designación de los útiles y la explicación del empleo de lo estrictamente necesario; las características de la caligrafía técnica, sus grupos para realizar la práctica adecuada y los consejos para efectuar los ejercicios.
También se incluyen las principales figuras geométricas y se detalla el modo lógico de construirlas, enfoque éste que –no escapará al lector– es fruto de una tarea minuciosa, una metodología adquirida día a día, frente a los problemas que el ingeniero C. Virasoro recorre en su función de profesor. Como tal, induce, plantea e impulsa a que el estudiante amplíe la práctica de los trabajos, merced a la presentación de modelos básicos del dibujo.
Dibujo arquitectónico histórico: Planta y sección de la basílica de San Pedro, Roma.
Dibujo técnico:
El dibujo técnico es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado. Las aptitudes para esta clase de dibujo se aprenden, debido a que debe cumplir con determinadas normas.
Se subdivide en dibujo técnico especializado, según la necesidad o aplicación las más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.
Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas se denominan planos de conjunto, y los que representan un sólo elemento, planos de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación y/o ensamble, son llamados planos.
Dibujo geodésico:
Dibujo geodésico: mapa físico-político de la Tierra
Un mapa bidimensional del mundo, como si la tierra fuera plana, deben trazarse los meridianos(círculos concéntricos verticales) en forma de líneas rectas verticales (Europa estaría situada proporcionalmente mucho más alejada de América). En algunos mapas, los paralelos(círculos paralelos horizontales) se dibujan como líneas horizontales paralelas, y los meridianos son curvas que parten de los polos (situando Europa a una distancia proporcional de América).
¿QUE ES LA TECNICA DEL CLARO-OSCURO?
Claroscuro
La vocación de San Mateo (1599-1600), de Caravaggio, Capilla Contarelli, San Luis de los Franceses,Roma.
El claroscuro, palabra proveniente del italianochiaroscuro, es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos. Esta técnica permite crear mayores efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la gradación de tonos lumínicos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.
El término italiano claaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es empleado más específicamente para una técnica de grabado en xilografía, que por medio de planchas complementarias da colores a las imágenes, como si fuesen pintadas a la acuarela. El primer uso conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano del siglo XVI Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. Otros grabadores que trabajaron esta técnica fueron Antonio da Trento y Andrea Andreani. En los grabados de Da Carpi, el efecto del claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin embargo, las áreas oscuras no están tan acentuadas como llegarían a verse en la obra de los principales difusores del claroscuro, Caravaggio y Giovanni Baglione.
La técnica se impondría también entre los manieristas, siendo ejemplos de este uso la Última Cena de Tintoretto o su Retrato de dos hombres, que presagia las composiciones de Rembrandt. El pintor holandés ha sido uno de los más conspicuos practicantes del claroscuro, utilizando la luz en su composición para destacar sólo su objeto específico.
¿QUE ES LA TECNICA CON EL LAPIZ SEPIA?TÉCNICA SEPIA
Esta técnica es económica y comienza a principios del S.XIX. El dibujo a sepia, sin embargo se dio a la luz por propietarios privados.
Se denomina sepia al color rojizo amarronado, concretamente rojo anaranjado oscuro, de tonalidad pardusca, producido por la tinta de la sepia o jibia, un cefalópodo marino similar al calamar, que se utiliza en las acuarelas y los dibujos de tinta. En fotografía, algunos revelados producen tonos sepia para dar una sensación de fotografía antigua.
Históricamente, para la obtención de los pigmentos sepia se ha preferido la sepia común, que se pescaba en el mar Adriático, cuya tinta se usó desde la antigüedad romana.
Se caracterizan por la elegancia que muestran los dibujos bajo esta técnica, se utiliza para dar un efecto añejo sobre nuestro trabajo.
Uno de los inconvenientes de la sepia es su delicadeza, ya que amarillean bajo los efectos de la luz y se difuminan los contornos a lápiz, lo cual provoca que se exhiban de forma muy limitada.
¿Qué ES LA FIGURA HUMANA?
Figura humana en el arte a través de la historia
13. Desde un principio la figura humana ha sido tema y punto de representación, y por ello ha tenido un cambio a través del tiempo. Este no ha sido de forma drástica, sino que ha evolucionado a lo largo de la historia. En este trabajo se dará a conocer de una mejor marera la evolución de esta figura humana en las siguientes etapas: Prehistoria, Egipto, Grecia, Edad Media, Renacimiento, Barroco, Romanticismo y Vanguardismo. Haciendo una profundización en el Barroco.
14. Los hombres pintaban con las manos en las cavernas. Para ello utilizaban sangre de animales o jugo de frutos. Representaban escenas de cacería, y a veces dejaban representadas sus manos. La figura humana pasa a ser el centro de las distintas composiciones pictóricas. Estas eran de un tamaño reducido en comparación a las demás obras. Representan escenas de un extraordinario valor narrativo, donde se puede observar un intenso dinamismo vital, donde se exageran incluso los rasgos de movimiento. Generalmente se representaban luchas, danzas y escenas relacionadas con la agricultura y ganadería.
15. En el arte egipcio la figura humana estaba regulada por unas estrictas proporciones donde se tienen a la mano y al brazo como módulo de las demás medidas. Los egipcios aplicaban la Ley de Torsión o Frontalidad, es decir cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. La figura debía tener todas las partes a la vista (debía ser completa) ya que al ser representada adquiría un carácter simbólico y mágico.
16. Los griegos pintaban El arte fue figuras imperfectas pero mayoritariamente que aun así mostraban esculturas. Las pinturas se expresión y vida. pueden observar en los La figura humana pintada utensilios. se caracterizaba por ser simple y estilizada. En cambio las esculturas eran sumamente detalladas logrando alcanzar la perfección del ser humano.
17. El arte de la edad media era mayoritariamente de carácter religioso. Las características de las obras en esta época se pueden apreciar en vírgenes, ángeles, santos, reyes, profetas, etc., que eran composiciones magnificas y claras con pliegues ligeramente angulosos en los ropajes .En el siglo XV la figura humana se hace más naturalista y los rostros se convierten en auténticos retratos.
18. En el Renacimiento la belleza es la armonía de partes, pero también es brillo, se gozaba de la objetividad y de la naturaleza espiritual, esto quiere decir que "la hermosura de los cuerpos depende de la imagen espiritual que transparenta la apariencia de los mismos“. Se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revelaba los grandes conflictos del alma. La figura fue pintada o esculpida con tanta perfección que difícilmente se puede ver un desperfecto.
19. El estilo Barroco ha sido uno de los más arraigados en el arte occidental. Posee dos núcleos distintos: el norte dominado por la reforma protestante y el sur por la contrarreforma católica. Transcurrió entre los siglos XVII al XVIII. La monarquía utilizó la magnificencia de este arte para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o en la sociedad.
20. En las representaciones se buscaba capturar el momento de mayor dramatismo. Dentro de la figura humana barroquista el artista muestra un gran sentido de movimiento, energía y tensión. Una intensa espiritualidad se mostraba con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
21. Las principales características eran: Movimiento: las figuras eran representadas en acciones violentas o de esfuerzo. En la ropa se apreciaba la agitación, mayormente en los pliegues de estas. Teatralidad: se muestra todo de forma exagerada y con actitudes elocuentes lo que hacen del barroco una representación dramática. Claroscuro: Se busca que los personajes se vean envueltos en una atmosfera de luminosidad. Patetismo: se muestras estados de ánimo como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., donde se pueden percibir en los rostros de la manera más realista.
22. Surge en Francia a principios de siglo XIX. En el romanticismo el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas. Existía una libertad de expresión. Era importante lo que el artista quería expresar, no como hacia la obra. La figura en el estilo del Romanticismo contiene líneas suaves y onduladas haciendo así la pintura un poco con más sentimiento. El color es tenue y matizado, la composición es más dinámica. La figura humana en este movimiento es transmitida en el pasado medieval, en la historia nacional y en culturas del lado Oriente. Se presentaba entre lo real y lo ideal.
23. Los movimientos de vanguardias de fines del siglo XIX y principios del XX, llevan nombres como cubismo, dadaísmo, surrealismo, pop art, etc. Cubismo: la figura humana se representa con figuras muy geométricas. Dadaísmo: los artistas utilizan figuras amorfas. La figura humana es totalmente abstracta y queda a la imaginación de quien ve la obra. Surrealismo: La figura humana puede llegar a ser un elemento de atención en las obras pero con cierta simbología. se caracteriza por crear cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Pop art: iniciado en el continente americano, usaba la figura humana como personajes populares para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad.
24. Según podemos ver, la figura humana fue evolucionando tratando de alcanzar la perfección, iniciando desde las formas y figuras más simples en la prehistoria. Luego no importó tanto la belleza sino lo realista y detallista que fuera la obra.
¿QUE ES EL CANON DEL TRONCO Y LAS EXTREMIDADES SUPERIORES?
Tronco (anatomía)
Tronco (anatomía)
Dibujo del tronco de una persona de sexo masculino .
En anatomía humana el tronco o torso es una de las partes fundamentales del cuerpo junto a la cabeza y miembros. En su parte superior se encuentra la cabeza, y de sus lados arrancan los miembros superiores o torácicos arriba, y los miembros inferiores o pelvianos abajo.
Tanto desde un punto de vista topográfico como funcional, el esqueleto del tronco se organiza en columna vertebral y tórax:
• Columna vertebral
Eje fundamental del cuerpo, central y posterior.
• Tórax
Caja ósea elástica que contiene los pulmones y corazón, y en cuya parte superior se fijan los miembros superiores otorácicos mediante la cintura escapular, primer segmento del miembro correspondiente. Es decir, la cintura escapular no pertenece al tórax.
El tórax lo forman:
1. Porción dorsal de la columna vertebral, por detrás.
2. El esternón, delante y arriba, en el centro.
3. Las costillas, por detrás, delante y a los lados.
El tronco aloja los órganos del aparato cardiopulmonar (el corazón, los pulmones y los grandes vasos), lo mismo que los órganos responsables de la digestión (el estómago, y el intestino) y sus glándulas anejas (el hígado y el páncreas). Asimismo contiene el aparato urinario (los riñones y la vejiga), y el aparato reproductor femenino (el útero, los ovarios, y las trompas de Falopio).
EL TORSO HUMANO:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (la cabeza). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz 6b.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
¿Es la figura humana fuente de inspiración en las creaciones de obras artísticas?
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Dibuja y crea los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano) .Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
DESEMPEÑO ALTO:
Dibuja y bosqueja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (El tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
DESEMPEÑO BASICO:
Dibuja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (El tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
INSUMO O NOMBRE DEL TALLER: Que apliquemos creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia., en la elaboración de mi propia obra de arte. Selecciono una de las obras y la realizo en mi cuaderno de dibujo.
Actividad: La figura humana (el tronco humano).
Opción 1: Dibujo en tu cuaderno los esquemas de la cabeza y sus proporciones, con la técnica del claro-oscuro con el lápiz sepia.
Opción 2: En el dibujo del tronco humano, crea una sensación de profundidad con líneas. • Traza las líneas más delgadas y suaves con el lápiz sepia. • Con un lápiz sepia realiza un nuevo trazado sobre el primero con líneas más fuertes y de diferente grosor, sin evitar las superposiciones o cruces de líneas. • Con el lápiz sepia y protegiendo las zonas ya trabajadas con un papel blanco para no ensuciarlas con el roce de la mano, traza las líneas más fuertes dando unidad y armonía al conjunto, con la técnica del claro-oscuro.
CIERRE DE LA CLASE
- Aclaración de dudas
- Evaluación: Se propone una evaluación en pedagogía constructivista que atienda los siguientes criterios: De los saberes: ser, hacer y saber hacer.
ACCIONES DE MEJORAMIENTO
Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística
- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.
- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
- Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en los estudiantes con desempeño bajo.
- Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias, emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los demás.
BIBLIOGRAFIA:
http://clasesseptimo.blogspot.com/2013/02/el-ritmo-en-el-dibujo.html
¿QUE ES LA TECNICA CON EL LAPIZ SEPIA?
TÉCNICA SEPIA
Esta técnica es económica y comienza a principios del S.XIX. El dibujo a sepia, sin embargo se dio a la luz por propietarios privados.
Se denomina sepia al color rojizo amarronado, concretamente rojo anaranjado oscuro, de tonalidad pardusca, producido por la tinta de la sepia o jibia, un cefalópodo marino similar al calamar, que se utiliza en las acuarelas y los dibujos de tinta. En fotografía, algunos revelados producen tonos sepia para dar una sensación de fotografía antigua.
Históricamente, para la obtención de los pigmentos sepia se ha preferido la sepia común, que se pescaba en el mar Adriático, cuya tinta se usó desde la antigüedad romana.
Se caracterizan por la elegancia que muestran los dibujos bajo esta técnica, se utiliza para dar un efecto añejo sobre nuestro trabajo.
Uno de los inconvenientes de la sepia es su delicadeza, ya que amarillean bajo los efectos de la luz y se difuminan los contornos a lápiz, lo cual provoca que se exhiban de forma muy limitada.
¿Qué ES LA FIGURA HUMANA?
Figura humana en el arte a través de la historia
13. Desde un principio la figura humana ha sido tema y punto de representación, y por ello ha tenido un cambio a través del tiempo. Este no ha sido de forma drástica, sino que ha evolucionado a lo largo de la historia. En este trabajo se dará a conocer de una mejor marera la evolución de esta figura humana en las siguientes etapas: Prehistoria, Egipto, Grecia, Edad Media, Renacimiento, Barroco, Romanticismo y Vanguardismo. Haciendo una profundización en el Barroco.
14. Los hombres pintaban con las manos en las cavernas. Para ello utilizaban sangre de animales o jugo de frutos. Representaban escenas de cacería, y a veces dejaban representadas sus manos. La figura humana pasa a ser el centro de las distintas composiciones pictóricas. Estas eran de un tamaño reducido en comparación a las demás obras. Representan escenas de un extraordinario valor narrativo, donde se puede observar un intenso dinamismo vital, donde se exageran incluso los rasgos de movimiento. Generalmente se representaban luchas, danzas y escenas relacionadas con la agricultura y ganadería.
15. En el arte egipcio la figura humana estaba regulada por unas estrictas proporciones donde se tienen a la mano y al brazo como módulo de las demás medidas. Los egipcios aplicaban la Ley de Torsión o Frontalidad, es decir cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. La figura debía tener todas las partes a la vista (debía ser completa) ya que al ser representada adquiría un carácter simbólico y mágico.
16. Los griegos pintaban El arte fue figuras imperfectas pero mayoritariamente que aun así mostraban esculturas. Las pinturas se expresión y vida. pueden observar en los La figura humana pintada utensilios. se caracterizaba por ser simple y estilizada. En cambio las esculturas eran sumamente detalladas logrando alcanzar la perfección del ser humano.
17. El arte de la edad media era mayoritariamente de carácter religioso. Las características de las obras en esta época se pueden apreciar en vírgenes, ángeles, santos, reyes, profetas, etc., que eran composiciones magnificas y claras con pliegues ligeramente angulosos en los ropajes .En el siglo XV la figura humana se hace más naturalista y los rostros se convierten en auténticos retratos.
18. En el Renacimiento la belleza es la armonía de partes, pero también es brillo, se gozaba de la objetividad y de la naturaleza espiritual, esto quiere decir que "la hermosura de los cuerpos depende de la imagen espiritual que transparenta la apariencia de los mismos“. Se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revelaba los grandes conflictos del alma. La figura fue pintada o esculpida con tanta perfección que difícilmente se puede ver un desperfecto.
19. El estilo Barroco ha sido uno de los más arraigados en el arte occidental. Posee dos núcleos distintos: el norte dominado por la reforma protestante y el sur por la contrarreforma católica. Transcurrió entre los siglos XVII al XVIII. La monarquía utilizó la magnificencia de este arte para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o en la sociedad.
20. En las representaciones se buscaba capturar el momento de mayor dramatismo. Dentro de la figura humana barroquista el artista muestra un gran sentido de movimiento, energía y tensión. Una intensa espiritualidad se mostraba con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
21. Las principales características eran: Movimiento: las figuras eran representadas en acciones violentas o de esfuerzo. En la ropa se apreciaba la agitación, mayormente en los pliegues de estas. Teatralidad: se muestra todo de forma exagerada y con actitudes elocuentes lo que hacen del barroco una representación dramática. Claroscuro: Se busca que los personajes se vean envueltos en una atmosfera de luminosidad. Patetismo: se muestras estados de ánimo como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., donde se pueden percibir en los rostros de la manera más realista.
22. Surge en Francia a principios de siglo XIX. En el romanticismo el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas. Existía una libertad de expresión. Era importante lo que el artista quería expresar, no como hacia la obra. La figura en el estilo del Romanticismo contiene líneas suaves y onduladas haciendo así la pintura un poco con más sentimiento. El color es tenue y matizado, la composición es más dinámica. La figura humana en este movimiento es transmitida en el pasado medieval, en la historia nacional y en culturas del lado Oriente. Se presentaba entre lo real y lo ideal.
23. Los movimientos de vanguardias de fines del siglo XIX y principios del XX, llevan nombres como cubismo, dadaísmo, surrealismo, pop art, etc. Cubismo: la figura humana se representa con figuras muy geométricas. Dadaísmo: los artistas utilizan figuras amorfas. La figura humana es totalmente abstracta y queda a la imaginación de quien ve la obra. Surrealismo: La figura humana puede llegar a ser un elemento de atención en las obras pero con cierta simbología. se caracteriza por crear cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Pop art: iniciado en el continente americano, usaba la figura humana como personajes populares para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad.
24. Según podemos ver, la figura humana fue evolucionando tratando de alcanzar la perfección, iniciando desde las formas y figuras más simples en la prehistoria. Luego no importó tanto la belleza sino lo realista y detallista que fuera la obra.
¿QUE ES EL CANON DEL TRONCO Y LAS EXTREMIDADES SUPERIORES?
Tronco (anatomía)
Tronco (anatomía)
Dibujo del tronco de una persona de sexo masculino .
En anatomía humana el tronco o torso es una de las partes fundamentales del cuerpo junto a la cabeza y miembros. En su parte superior se encuentra la cabeza, y de sus lados arrancan los miembros superiores o torácicos arriba, y los miembros inferiores o pelvianos abajo.
Tanto desde un punto de vista topográfico como funcional, el esqueleto del tronco se organiza en columna vertebral y tórax:
• Columna vertebral
Eje fundamental del cuerpo, central y posterior.
• Tórax
Caja ósea elástica que contiene los pulmones y corazón, y en cuya parte superior se fijan los miembros superiores otorácicos mediante la cintura escapular, primer segmento del miembro correspondiente. Es decir, la cintura escapular no pertenece al tórax.
El tórax lo forman:
1. Porción dorsal de la columna vertebral, por detrás.
2. El esternón, delante y arriba, en el centro.
3. Las costillas, por detrás, delante y a los lados.
El tronco aloja los órganos del aparato cardiopulmonar (el corazón, los pulmones y los grandes vasos), lo mismo que los órganos responsables de la digestión (el estómago, y el intestino) y sus glándulas anejas (el hígado y el páncreas). Asimismo contiene el aparato urinario (los riñones y la vejiga), y el aparato reproductor femenino (el útero, los ovarios, y las trompas de Falopio).
EL TORSO HUMANO:
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (la cabeza). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz 6b.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
¿Es la figura humana fuente de inspiración en las creaciones de obras artísticas?
DESEMPEÑO SUPERIOR:
Dibuja y crea los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano) .Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
DESEMPEÑO ALTO:
Dibuja y bosqueja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (El tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
DESEMPEÑO BASICO:
Dibuja los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (El tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
3. EL SABER HACER:
PROPÓSITO:
Aplique creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia.
Demuestra avances en el desarrollo de sus composiciones artísticas expresando su entorno cultural.
INSUMO O NOMBRE DEL TALLER: Que apliquemos creativamente los elementos básicos del dibujo artístico en la figura humana (el tronco humano). Con la técnica del claro-oscuro, con el lápiz sepia., en la elaboración de mi propia obra de arte. Selecciono una de las obras y la realizo en mi cuaderno de dibujo.
Actividad: La figura humana (el tronco humano).
Opción 1: Dibujo en tu cuaderno los esquemas de la cabeza y sus proporciones, con la técnica del claro-oscuro con el lápiz sepia.
Opción 2: En el dibujo del tronco humano, crea una sensación de profundidad con líneas. • Traza las líneas más delgadas y suaves con el lápiz sepia. • Con un lápiz sepia realiza un nuevo trazado sobre el primero con líneas más fuertes y de diferente grosor, sin evitar las superposiciones o cruces de líneas. • Con el lápiz sepia y protegiendo las zonas ya trabajadas con un papel blanco para no ensuciarlas con el roce de la mano, traza las líneas más fuertes dando unidad y armonía al conjunto, con la técnica del claro-oscuro.
CIERRE DE LA CLASE
- Aclaración de dudas
- Evaluación: Se propone una evaluación en pedagogía constructivista que atienda los siguientes criterios: De los saberes: ser, hacer y saber hacer.
ACCIONES DE MEJORAMIENTO
Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística
- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.
- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
- Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en los estudiantes con desempeño bajo.
- Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias, emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los demás.
BIBLIOGRAFIA:
http://clasesseptimo.blogspot.com/2013/02/el-ritmo-en-el-dibujo.html
La verdad se me izo entendible el vídeo, pude desarrollar algunas preguntas, pero no puedo con la imagen número 2, y no creo poder con las otras, creo que necesito ayuda 😔
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